Иногда я слушаю Agalloch…

Хотелось бы вернуться к одному любимому проекту, с которого у меня, как и у многих здесь обитающих, началась любовь к тяжёлой, но атмосферной музыке. Самому интересно воплотить мысли о творчестве Agalloch в небольшую статью и постараться разобраться, на каких культурных и философских влияниях оно было сформировано.

Запись дебютного демо «From Which Of This Oak» пришлась на 1997 год, когда два музыканта - Джон Хаум и Шейн Брюер, переехавшие недавно в Портленд, - познакомились там с третьим - Доном Андерсоном. С самого начала группа ставила задачу создать собственный музыкальный мир, несмотря на то, что в то время появлялось большое количество инди- и панк-рок групп. Джон Хаум обращал внимание на многие жанры и старался использовать множество цветов и оттенков для своего творчества. Это позволило создать ему то, что не захлебнулось под огромными волнами скандинавского металла с мифологией или сатанизмом; Agalloch показал, что и в Америке могут создавать эндемичный металл, со своими идеями и культурой. Но несмотря на то, что в творчестве проекта есть символы, которые связывают его с природой, Джон в одном интервью ясно дал понять, что это не главное в их музыке:

«Agalloch ни в коем случае не является группой “nature-core”. Мы экзистенциальная группа. Природа, особенно здесь, на северо-западном побережье Тихого океана, предоставляет превосходный холст, на котором я могу нарисовать свои мысли и чувства, и вдохновить на создание сети музыкального самовыражения. Однако наши концепции глубже, чем просто поклонение какому-то снежному пейзажу».

Разобравшись с началом пути группы, можно возвратиться к их дебютной записи, которая состоит из четырех композиций, общей продолжительностью почти 34 минуты. Само название идеально подходит для дебюта и выступает в роли логичного вопроса, который задают слушатели, когда знакомятся с новой группой. Уже с этой работы музыканты используют довольно продолжительную длительность своих композиций, преодолевая отметку в 10 минут.
Первая композиция «The Wilderness» — отличное начало, насыщенное гитарными тремоло, сменяемыми ритмами, несмотря на постоянную текстуру, неистовым хриплым вокалом и даже меланхоличными акустическими проигрышами. Текст композиции напоминает слушателю о том, что человеческая жизнь не имеет смысла и то, что лишь одиночество наш верный спутник.

Поэтичная «As Embers Dress The Sky» вступает бодрой гитарной партией и эфирным чистым вокалом, имеет возвышенную атмосферу благодаря чистому пению Karen Cox, а завершается эпическим взрывом из риффов, соло и ударных.
Инструментальная «Foliorum Viridum» содержит ностальгические синтезаторные мелодии, некая продолжительная интерлюдия перед завершающей альбом «This Old Cabin» с быстрыми и слегка диссонирующими риффами, создающими чарующую атмосферу вкупе с чистым вокалом; темп её периодически замедляется, высвобождая рычащий крик о бренности жизни. В целом, звучание альбома можно назвать сырым, но это придает ему некоторый шарм, мелодии всех инструментов отчетливо слышны, композиции хоть и имеют депрессивный смысл, но их трудно назвать "античеловечными", в каждой из них есть надежда и тонкий луч солнца в кромешной тьме. Этим релизом Agalloch продемонстрировали свое умение писать интересный материал, который, без сомнений, можно считать культовым.

Спустя два года после выхода дебютного альбома, который привлек внимание «The End Records», Agalloch выпустили свой первый полноформатник «Pale Folklore». К этому моменту к проекту присоединился четвертый участник — Джейсон Уильям Уолтон. Я бы ввел слушателей в заблуждение, если бы сказал, что этот альбом выступает в роли фундамента для последующего творчества Agalloch, нет, это неправда, ведь их каждая музыкальная работа избегает клишированных жанровых бирок. Группа словно живет только настоящим и ищет варианты для того, чтобы особенно ярко выразить свое эмоциональное состояние в музыке.
Альбом структурно выделяется от других, первые три композиции — это музыкальная эпопея общей продолжительностью почти девятнадцать минут. «She Painted Fire Across the Skyline» повествует о страданиях Фаэтона, который взял солнечную колесницу своего отца Гелиоса, но не справился с норовистыми конями и упал в реку Эридан. Между куплетами первой части можно услышать оперное женское пение:

Следующая композиция «The Misshapen Steed» позволяет насладиться свободным пространством, ласковыми партиями синтезатора и эмбиент текстурами.
«Hallways of Enchanted Ebony» начинается с пост-рок структуры отдельной гитары, но быстро появляются хриплый вокал, дисторшн риффы и эффективные барабанные ритмы, вызывающие слушателя на долгое путешествие по давно забытым мерцающим залам зимнего царства. Композиция завершается неожиданным и... наверное, несколько неуместным (но очень классным) паттерном из снежной метели и отчаянного лая собак.
На шестом треке «Dead Winter Days» мне очень понравилась вступительная стена звуков из завораживающих ритмов ударных и гитар. Немного затянутый длинными инструментальными секциями, но содержащий в себе гармоничную и зловещую игру вокальных партий.
Перезаписанная версия «As Embers Dress the Sky» с фолковым набором акустических инструментов, трогательным женским голосом и непередаваемой эпической атмосферой демонстрирует характерное звучание Agalloch.
Вторая часть альбома достигает своей кульминации на «The Melancholy Spirit». Долгое инструментальное вступление с использованием акустики и продолжительного холодного воя ветра наполняет слушателя меланхоличной атмосферой, чтобы он мог достичь абсолютного катарсиса в непредсказуемых завихрениях всего того, что было по отдельности в других композициях.
Великая группа, грандиозный альбом с очень атмосферным звучанием, мифологическими и народными влияниями, демонстрирующий уникальный баланс между проникновенными элементами классической музыки и агрессивной стезей метала.

Думаю, стоит сказать, что большая часть материала данного альбома была записана задолго до выпуска первой полноформатной пластинки. Например, более длинную версию «Foliorum Viridium» можно было услышать на «From Which Of This Oak». Но, если там композиция завершается диссонирующими риффами, то на этом альбоме следующая композиция «Haunting Birds» предлагает слушателю более ее фолковое воплощение, состоящее из акустической гитары и громоподобных ритмов ударных.
Что-то я слишком рано забежал вперед и пропустил открывающий одноименный альбому трек «Of Stone, Wind, and Pillor»... Соединяющий два жанровых берега мост, на котором акустическое вступление сразу же погружает слушателя в темную фолковую атмосферу, перерастающую в многогранную металлическую среду Agalloch. Эта композиция отлично бы сочеталась с другими на «Pale Folklore», но при этом, она открывает горизонты для будущих работ американской группы.
«Kneel to the Cross» — кавер на Sol Invictus, в которой критикуется религиозное лицемерие, вступительный призыв «Summer is a'coming, arise! Arise!» под аккомпанемент средневековых мелодий синтезатора задает тон несогласия и твердой решимости для перемен. Через полторы минуты вступает акустическая гитара, плавные риффы и чистый вокал, за которыми слышно хриплое рычание, заостряющее внимание на деструктивном характере религиозных догм.
Завершается альбом произведением «A Poem By Yeats», состоящим из стихотворения ирландского писателя Уильяма Батлера Йейтса и сочетанием мягких клавишных и обволакивающего эмбиента, которые вкупе указывают на вдохновляющую, хотя и печальную природу любви.
Таким образом, группа завершает свою первую главу, в которой уместились и эксперименты с объединением многих жанров, и философско-мифологический поэтический аспект, а также очарование природой в ответ на разрушающую философию классического метала. После этого последует шедевральный «The Mantle», первые живые выступления и духовные поиски своего места в этом мире.

Когда я начинал рецензирование дискографии Agalloch, то держал в голове этот альбом, но вот, я добрался до него, а у меня просто нет слов, чтобы его описать, я даже не знаю с чего нужно начать...
Наверное, это признак очень хорошего альбома, когда у слушающего, который только что насытился работой, теряется способность воплотить мысли в конструированный текст. Но все же, «The Mantle» — это признанный многими шедевр темной музыки, который ко всему прочему является наиболее "американским" в творчестве Agalloch. Стоит отметить, что с этого альбома прекратилось сотрудничество с Шейном Брейером, одним из основателей Agalloch, судя по немногочисленным интервью, между ним и другими участниками группы произошел конфликт, который до сих пор не улажен.
Альбом открывает инструментальная композиция «A Celebration For The Death of Man...» состоящая из простых акустических аккордов и перкуссии, подчеркивающей ритмические рисунки гитары.
После короткого вступления, группа представляет «In The Shadow of Our Pale Companion» — длинное путешествие в поисках Бога, в конечном итоге, рассказчик находит его в окружающем пейзаже, оспаривая знаменитое утверждение Ницше, что «Бог мертв», однако, после осознания того, что "человеческий" Бог покинул его, главный герой решается всецело отдать свою жизнь природе.

Этот поэтический сюжет переплетен с легкими акустическими звуками и меланхоличными паттернами электрической гитары, а разнообразные вокальные партии Джона Хаума придают работе глубины и очаровательную атмосферу. Высшая степень музыкального наслаждения была достигнута уже здесь, но ведь впереди еще семь композиций, определенно нужно время, чтобы все осмыслить.

И «Odal» отлично с этим справляется, вторая инструментальная композиция, в которой ярко проявляется пост-роковое звучание, с потрясающим финалом пианино и дуновением ветра.
«I Am the Wooden Doors» начинается скорострельными ударами барабанной установки и холодными гитарными пассажами, самый яркий пример присутствия блэк-метала на альбоме, в текстовом содержании освещается проблема человечества — безостановочное уничтожение природы, кажется, что рассказчик не надеется на понимание со стороны общества и поэтому готов умереть, сохранив свою волю и дух нетронутыми. Агрессивно звучащий голос Хаума — эмоциональное высвобождение и идеальное взаимодействие с созданным текстовым миром.
Вновь инструментальная композиция «The Lodge» позволяет слушателю окончательно предаться нигилизму, благодаря своему мрачному акустическому звучанию. Прослеживается откровенная закономерность в последовательности композиций, неудивительно, что следующая «You Were but a Ghost in My Arms» имеет металическое звучание и вновь связывает божественную силу и природу, олицетворяя ее, музыканты проводят параллель между убийством любимого человека и разрушительными действиями в отношении окружающей среды, которую, вроде как, человечество почитает и любит.
Несмотря на все единение с природой, Agalloch видит себя и в городской жизни, «The Hawthorne Passage» посвящен старейшему Хоторнскому мосту в Портленде, это довольно длинный инструментальный трек, разделенный на две части полевой записью, сделанной около этого моста. В конце композиции звучат отрывки из двух разных фильмов: шведского «The Seventh Seal» и мексиканского «Fando y Lis».
«...And the Great Cold Death of the Earth» имеет торжественную атмосферу и напыщенные гитарные паттерны, объединяя неофолковые мотивы и пост-металические риффы, Agalloch подготавливает слушателя к концу долгого путешествия, закольцовывая идею цикличности природы в названии трека (Death of Man — Death of the Earth) и в финальных аккордах, которые можно услышать в начале первой композиции. Кроме этого, второй куплет композиции — это отрывок из мифологии племени чероки, описывающий сотворение Земли.
Последний трек «A Desolation Song» звучит так, словно это эпилог альбома, после конца света и смерти всего человечества стоит напоследок испить из сосуда безнадежность и тщетность бытия.
Мне очень нравится то, что я не могу определить конкретный жанр, после прослушивания этого альбома, Agalloch обладает уникальной способностью находить важные музыкальные элементы и переплетать их между собой, образовывая по-настоящему феноменальное благозвучное полотно.

Следующими в дискографии Agalloch следуют два мини-альбома, «Tomorrow Will Never Come» был записан во время студийных сессий «The Mantle» в 2002 году и представляет собой акустическую композицию с речью психически больного человека, которую Дон Андерсон услышал во время лекции в университете.

Спустя два года после «Tomorrow Will Never Come» мир услышал «The Grey», который состоит из двух представленных на «The Mantle» композиций, правда, они претерпели изменения, достаточно весомые. Это экспериментальная запись, первый трек содержит в себе нарастающую атмосферу и постоянно повторяющиеся риффы, которые достигают своей вершины к десятой минуте, после чего начинается совершенно неудобный и неуютный скрежет гитар, согласитесь, мало общего с акустической версией ранее выпущенной «The Lodge», а «Odal» и вовсе состоит из дроуновых текстур и жуткого шума.
Действительно, эти две записи подойдут лишь для самых преданных поклонников американской группы, а остальные будут ждать «The Wolves of Timberline» и сплит с финской группой Nest…

Если вы рассматриваете дискографию Agalloch и намеренно проходите мимо совместной записи с финской группой Nest, это является самым настоящим преступлением, мы же законопорядочные слушатели, поэтому остановимся на этом коротком альбоме, содержащем в себе два драгоценных камня.
«The Wolves Of Timberline» звучит так, словно ты находишься в густом лесу, окруженном леденящей вьюгой. Звуки затаившей дыхание природы и загадочные мелодии медленно очаровывают, создавая потрясающую картину холодного и дикого мира. Акустические гитары в этой песне играют в основном аккомпанемент, устанавливая ритм и гармоническую структуру композиции. Они играют повторяющиеся аккорды, чтобы поддерживать музыку в заданных рамках, а пронизывающие мелодии виолончели вносят мрачное и загадочное настроение, добавляют текстуру и эмоциональные нюансы к песне.
«Last vestige of old joy» вызывает эмоции и оставляет сильное впечатление. Вместе с голосом Хаума и гитарой Андерсона она создает необычную и проникновенную атмосферу, которую невозможно описать словами. Это неповторимое сочетание талантов, которое делает песню такой примечательной и значимой. Советую всем ознакомиться с текстом, ведь он погружает слушателя в мир рефлексии и мыслей о прошлом. Это история о потерянной радости и утраченном вдохновении, которые оставили глубокий след в наших душах.
Совместные записи могут принести новые и интересные звуковые эксперименты и обогатить дискографию любой группы. Игнорирование таких записей может привести к упущению постижения уникального опыта и наслаждения от музыкальных коллабораций. Необходимо быть открытым к новым звукам и исследовать различные творческие пути артистов.

C началом обзора всей дискографии Agalloch в Atmospheric DRUGS как-то упускаю из вида новые релизы, то ли дело в их количестве и моей заинтересованности, то ли Agalloch — это The Witcher 3 или Red Dead Redemption 2 в музыкальном мире, после которого найти что-то близкое очень трудно...
В ходе последней ретроспективы мы рассматривали сплит альбом с Nest, сегодня же пришло время окунуться с головой в третий альбом «Ashes Against the Grain» портлендской группы Agalloch. Этот альбом сочетает зрелость и оригинальность, позволяет группе демонстрировать свое мастерство в написании музыки и создании атмосферы, которая непременно проникает в душу слушателя, он отличается от предыдущих работ группы весьма ярко выраженными пост-рок и эмбиент влияниями, а вот акустических пассажей стало заметно меньше.
Одним из наиболее ярких примеров этого нового подхода является композиция «Limbs». В этой песне Agalloch использовали необычное сочетание гитарных дробей, темного задумчивого звучания и нежных акустических партий, чтобы создать сложную и проникновенную атмосферу.
«Falling Snow» — еще одна композиция, которая является примером нового подхода к написанию музыки в «Ashes Against the Grain». Эта песня представляет собой гармоничное сочетание яркой мелодии, аккордовых прогрессий и спокойных атмосферных звуков. Она создает ощущение мира, полного спокойствия и красоты, в то время как агрессивные моменты в песне заставляют нас проникнуться сильными эмоциями и напряженностью.
«Limbs» и «Falling Snow» являются взаимосвязанными частями одного музыкального полотна, передающего нам величие и красоту природы, а также важность нашего взаимодействия с ней. Умирающий человек из первой композиции, лежащий в луже крови, чье тело навсегда поглотит природа, также, как и падающий снег, который впитается в землю, а затем снова поднимется в воздух, но в другом состоянии, говорят о цикличности жизни, мимолетности существования и смысле самой смерти.
Короткий эмбиентный «This White Mountain On Which You Will Die» завершает вступительную трилогию, дорисовывая жизненный путь главного героя этих композиций.
«Fire Above, Ice Below» имеет холодную акустическую текстуру и яркие, даже пылающие риффы, порождая противопоставленность и погружает в философские раздумья о том, что происходит с душой после смерти.
Следующая «Our Fortress Is Burning...I» открывает новое повествование длиной в 19 минут и разделенное на три части, первая — полностью инструментальная с неспешным темпом, но вторая часть «Bloodbirds» обрастает глубокими и мрачными звуками гитар и баса, а барабаны добавляют мощности и интенсивности, мощный музыкальный поток сменяется скрежущими завихрениями «The Grain» добрая часть композиции состоит из этих звуков, напоминающих падение каменной крепости.
Джон Хаум когда-то давно заявлял, что этот альбом его худшая работа, примечательно, что был записан, когда любовь Джона к металу вновь пробудилась, после прослушивания я остался со смешанными чувствами, однако трудно спорить с тем, что «Ashes Against the Grain» стал важным шагом в эволюции звучания Agalloch.

На очереди EP-альбом «The White», выпущенный в 2008 году и уже ставший классикой дарк-фолка, кто-то может бросить в меня камень или даже два, но в нашем мире не так много альбомов в этом жанре, способных выразить чувства саморефлексии без слов, за исключением пятого трека «Birch White», который содержит очень романтичный текст, вдохновленный природой и сменой времени года, остальные же композиции полностью инструментальные или таят в себе небольшие диалоги из фильма «The Wicker Man», поклонником которого является Джон.
Несмотря на то, что это EP-альбом, он звучит довольно продолжительное время, 36 минут, за все это время вы вряд ли найдете повторения в настроениях композиций или их способе выражения эмоций, вступительный «The Isle of Summer» задает тон депрессивной и даже немного пугающей обстановки, во многом благодаря детскому голосу, раз за разом повторяющим: «We carry death out of the village!» (Мы уносим смерть из деревни), но ближе к концу композиции тепло и свет заливают слушателя, видимо смерть действительно ушла из деревни подальше, однако Agalloch не был бы Agalloch'ом, если бы не закольцевал историю, поэтому финальный шум и скрежет намекает на то, что дети еще познают, что такое смерть, ведь все мы ее рано или поздно познаем...
«Birch Black» удивляет своим мощным звучанием и сочетанием многочисленных инструментов, это полная противоположность уже упомянутому треку «Birch White». Синтезаторный «Hollow Stone», наполненный эфирным звучанием, которое создал Крис Грин, пробуждает самые яркие и ослепительные образы в памяти, а «Pantheist» погрузит слушателя в языческую атмосферу под медиативные отстуки натянутых ударных, а гитарных рифф застанет его врасплох и подставит под сомнение существование, как его самого, так и Бога-творца. Шедевральная «Sowilo Rune» пропитана уточенной красотой и я... я не могу выразить словами, что чувствую, наверное, это и есть катарсис. Последняя композиция «Summerisle Reprise» пропитана гладкими и холодными нотами пианино и звучит, так, как и должен звучать финал.
Обращаясь к вышеупомянутому фильму, я завершу этот обзор словами персонажа Лорда Саммерисла:

«Он воспитал меня таким же образом: уважать музыку, драму и ритуалы старых богов; любить природу и бояться ее, полагаться на нее и умиротворять ее, когда это необходимо».

Путешествие вместе с четвертым альбомом Agalloch займет у слушателя 65 минут, если Вы собираетесь сейчас включить «Marrow Of The Spirit», то я настоятельно рекомендую найти у себя это время, ведь Agalloch всегда создает почти ощутимые кинематографичные образы, а с этим альбомом музыкантам удалось выйти на совершенно нереальный уровень аудиовизуализации, во многом благодаря смене лейбла и, соответственно, достижению некоторой независимости, появлению нового барабанщика – Эзоп Деккера, и, конечно-же, помощи продюсера Стивена Рэй Лобделла.
В этом обзоре я не буду расписывать настроение каждой композиции, лишь подчеркну экспериментальную сторону группы, которая ярко отражается в композиции «Black Lake Niðstång»: пугающий дисторшн, подхватывающие удары струн акустической гитары, истеричный крик под суицидальное звучание соло-гитары, прогрессивные риффы и обволакивающий синтезатор, финальное пост-рок исполнение... В этом эпическом опусе уместилась вся цветовая палитра группы, но главное, что все изящно сочетается и идеально дополняет друг друга.
Печальная композиция «To Drown» служит нам еще одним напоминанием того, что не всегда легкий путь является правильным, поэтому нам необходимо иногда прочувствовать тяжесть тьмы, окончание песни со скрипкой, литаврами и скрежущим риффом выглядит очень скорбным и одновременно созерцательным, неся странное предчувствие надвигающейся катастрофы.
С этим альбомом Agalloch сделали то, что старались делать всегда: расширили границы собственного звучания, приобрели совершенно иную форму выражения своих эмоций и знаний. Да, возможно это не самая запоминающаяся пластинка, но, в ней все еще существует "душа", а ведь это самое главное в творчестве любой группы.

Вот мы и подобрались к последней главе в дискографии портлендской группы Agalloch, которая оставила после себя беспрецедентное наследие на сцене метала.
«The Serpent & The Sphere» стал последним альбомом группы перед их роспуском в 2016 году. Он был очень ожидаемым и продолжил линию атмосферной и эмоциональной музыки, которую группа создавала на предыдущих релизах. В этом альбоме присутствуют все характерные черты Agalloch: мрачная и задумчивая атмосфера, эпические инструментальные секции, мерцающие клавишные и гармонии, несколько напряженных крещендо и разнообразные вокальные приемы Джона Хаума с многогранной перкуссией Эзоп Деккера. Но при всем этом великолепии, я бы еще отметил акустические интерлюдии «Serpens Caput», «Cor Serpentis», «Serpens Cauda», которые посвящены созвездию Змеи. Прекрасно понимая для чего нужны такие композиции в альбоме, я поражаюсь тому, как проникновенно звучит гитара Натанаэля Ларошетта, при этом она еще и создает атмосферу покоя и рефлексии.

В целом, Agalloch – это группа, которая продемонстрировала мощное и уникальное видение в своей музыке на протяжении многих лет. Их альбомы насыщены эмоциями и создают глубокую атмосферу, которая заставляет слушателя думать о прогулках через кедровые леса Америки, заросшие мхом и лишайником, о водопадах и Великих Озерах, а также о древних камнях и высоких горах.

Совсем недавно музыканты объявили о воссоединении Agalloch, остается лишь надеяться, что мистер Джон Хаум не утратил способность обращаться с философскими размышлениями к Природе и Богу.

p.s.

выражаю огромную благодарность ребятам из сообщества «Agalloch» за то, что они такое продолжительное время поддерживают интерес к группе, а также дополняют информационное поля для русскоязычных поклонников группы.