Фильмография Стивена Спилберга: 70-е – 80-е

Ну что ж, вот и состоялось грандиозное возвращение полюбившегося многим подписчикам «Бобины Максима» творческого направления, в рамках которого ваш покорный слуга проводит экскурс по фильмографии того или иного режиссёра. Много кто уже побывал гвоздём программы в рамках этого формата – дебютантом стал Квентин Тарантино, а далее эстафету подхватили Дэвид Финчер, Гай Ричи, Дени Вильнёв и Уэс Андерсон. На сей же раз мы с вами погрузимся в творчество поистине монументального режиссёра, чьё имя известно даже тем, кто не особо-то и увлекается кинематографом. Уже по заголовку статьи становится понятно, что речь пойдёт о Стивене Спилберге, говоря о котором, вполне справедливо будет процитировать применённую Игорем Ивановичем Печкиным характеристику Ивана Фёдоровича Крузенштерна. И подобная аналогия далеко не на пустом месте, ведь помимо сольной режиссёрской карьеры, Спилбергу доводилось занимать пост и сценариста, и сорежиссёра сторонних проектов (пускай, как было, к примеру, в случае с «Волком с Уолл-стрит», всего лишь на съёмках какой-то конкретной сцены), и, конечно же, продюсера. Всё это лишний раз подчёркивает высочайшую весовую категорию, которой обладает Стивен в киноиндустрии.

Идея посвятить легендарному кинодеятелю творческий объект висела в воздухе очень давно, но как мне видится, именно в этом году будет весьма символично посвятить ему экскурс. Почему именно в этом году – по ходу дела это будет обозначено, но прежде всего стоит заострить внимание на том, что новый объект, оставаясь в рамках той же рубрики, обретёт кое-какое «жанровое новшество». Как я для себя понял, ранжировать картины именитого дедушки (так Спилберга неоднократно называл мой очень хороший товарищ, неоднократный участник видеороликов с киноитогами и по совместительству один из админов паблика «Киногомиксы» – Артём Черкасов) в соответствии с моими субъективными преференциями в пользу того или иного фильма здесь вызовет неимоверные затруднения по причине большого количества образчиков фильмографии, каковых у Спилберга на текущий момент 34, не считая короткометражек, телевизионных проектов и эпизода знаменитого сериала «Коломбо». Вместо этого экскурс по фильмографии мастодонта будет идти в хронологическом порядке, но в качестве дополнительного компонента, призванного добавить в дальнейшие фрагменты текстов изюминку, для каждого фильма введены вердикты, отражающие моё личное отношение к ним. Всего вердиктов четыре: «НЕЗАЧЁТ» выставляется фильму, который у автора всего изложенного оставил преимущественно негативные эмоции; оценка «ТАК-СЯК» соответствует либо чему-то очень спорному, либо тому, что вообще не оставило никакого эмоционального отклика; фильмам, субъективная оценка которым эквивалентна вузовской четвёрке (в том числе и четвёрке с плюсом, стремящейся в пятёрку с минусом), полагается вердикт «ЛЮБО»; ну а те картины, что представляют собой безукоризненное великолепие, удостоились звания «ГИЧАГУД» (производное от «гигачад»). За выбор формулировок вердиктов я также выражаю благодарность Артёму.

Всю фильмографию Спилберга как режиссёра полнометражных лент было решено для удобства поделить на три временных промежутка, которые стройно укладываются в рамки тех или иных десятилетий. При этом каждому из этих промежутков будет посвящена отдельная статья. Та-а-а-а-ак, вроде все формальности проговорили, можно уже и начинать. Наденьте ваши VR-очки, пристегните ремни, путешествие по режиссёрской карьере Стивена Спилберга начинается прямо сейчас!

Итак, наш абстрактный Делориан, уже разогнавшийся до 88 миль в час, отправляется в 70-е годы прошлого века. К моменту, который нас перво-наперво и интересует, а именно к 1971 году, Стивен имел далеко не косвенное отношение к кинематографу. Вообще свой первый любительский фильм Спилберг снял ещё в 12 лет с использованием в качестве реквизита игрушечного поезда, а впоследствии он вступил в ряды бойскаутов и на каждую поездку брал с собой кинокамеру, принадлежащую отцу, на которую снял ещё несколько короткометражек, одна из которых даже удостоилась первого приза в рамках конкурса, проводившегося по всей территории Соединённых Штатов. А по признаниям самого Спилберга, фильмом, побудившим в нём желание стать режиссёром, является монументальная историческая драма Дэвида Лина «Лоуренс Аравийский». В 1968 году будущий мастодонт прибыл на студию Universal, где снял предназначенную для кинотеатрального проката короткометражку под названием «Бредущие». Она была положительно оценена тогдашним вице-президентом студии, который в свою очередь предложил Спилбергу контракт на семь лет сотрудничества. В рамках этого сотрудничества режиссёр приложил руку к телепроекту «Ночная галерея», и хотя сегмент, за режиссуру которого он отвечал, не снискал большого успеха среди критиков, снявшаяся в этом проекте Джоан Кроуфорд высказалась следующим образом:

«Когда я начала работать со Стивеном, я всё поняла. Мне и, возможно, всем остальным моментально стало ясно, что перед нами молодой гений. Я думала, что практика играет важную роль, но потом я вспомнила всех опытных режиссёров, у которых не было интуитивного вдохновения Стивена и которые просто продолжали повторять одни и те же старые рутинные работы. Это называлось «практикой». Тогда я поняла, что у Стивена Спилберга впереди блестящее будущее. Голливуд не всегда признаёт таланты, но Стивена нельзя было упускать из виду. Так я ему сказала в записке, которую я ему писала. Я писала и Роду Серлингу тоже. Я была так благодарна за то, что он утвердил Стивена в качестве режиссёра. Я сказала ему, что он был совершенно прав»

И чёрт возьми, кинодива 30-х годов как в воду глядела, а начало тому самому блестящему будущему было положено, когда студия Universal заключила со Стивеном контракт на 4 фильма для телевидения, один из которых заслуживает особого внимания – и это и есть тот самый фильм, ради которого мы с вами делаем остановку в 1971 году.

1971 год – «Дуэль»

Ещё раз стоит обозначить, что в рамках данного экскурса мы будем останавливаться на тех полнометражных фильмах, которые имели кинотеатральный прокат. «Дуэль» же примечательна тем, что сперва была задумана и реализована строго как кино для телевидения, однако картина обрела настолько мощный охват со стороны телезрителей, что мало того, что получала немалое количество повторных показов, а затем сотрудниками Universal было решено отправить фильм на расширение хронометража и дальнейший прокат в кинотеатрах. Тот, конечно, был ограниченный и успехом, соответственно, не увенчался, но сами эти факты уже заставляют обратить на «Дуэль» более пристальное внимание. Но ничуть не меньшего внимания фильм заслуживает благодаря тому, насколько влиятельным по отношению к кинематографу как таковому он стал. Казалось бы, в наше время сюжет «Дуэли» звучит проще, чем дважды два: едет себе обыкновенный американский гражданин на какую-то важную встречу по работе, никого не трогает, но в какой-то момент перед ним объявляется фура, везущая цистерну с горючим. Главный герой решает её объехать, но затем её водитель начинает неустанно его преследовать. Наверняка у вас возникло дежавю, ведь на фильмы с хотя бы отдалённо похожим сюжетом вы могли натыкаться не раз и не два. А ведь именно эта картина стала пионером в обкатке тех сценарных тропов и приёмов их воплощения на экране, которыми впоследствии пользовались, к примеру, авторы фильма «Ничего себе поездочка» с Полом Уокером или создатели «Неуправляемого» с Дензелом Вашингтоном. Конкретно в «Дуэли» воплощению напряжённой атмосферы содействует уже то, что в лицо водителя фуры за весь фильм не показывают ни разу, что рождает крайне пугающую «безликую» натуру настигшей героя Денниса Уивера угрозы, от которой он всё никак не может спастись. Помогают такому настрою и акценты камеры на спидометре и боковых зеркалах, и крупные планы оборачивающегося назад лица главного героя, и рёв мотора механического преследователя, и сцены вынужденных остановок, и зловеще включающиеся под тоннелем фары грузовика, словно нацелившиеся на добычу глаза хищника в сумраке. Кстати говоря, в основу сценария лёг одноимённый рассказ Ричарда Мэтисона, в который, по признаниям самого писателя, он перенёс свой личный опыт, так что будьте готовы к тому, что некоторое время после просмотра вас будет охватывать страх при виде фуры на той же полосе, где едете вы сами. Да, очень может быть, что если вы знакомы с образчиками жанра так называемого «автомобильного триллера», выпущенными в нулевых или девяностых, то просмотр данной ленты и не озарится восторгом, но как минимум ради некоего ознакомления с историей подобного поджанра фильму стоит дать шанс. Я же говорю ему «ЛЮБО».

Собственно, за тем раскладом, которым характеризуется столь успешная судьба «Дуэли», закономерно последовало пристальное внимание тогдашних воротил кинобизнеса к персоне Спилберга. Те, в свою очередь, предложили постановщику взяться за полноценный кинотеатральный дебют, который публика лицезрела в 1974 году. Это и есть наша с вами следующая остановка.

1974 год – «Шугарлендский экспресс»

Сходу обратим внимание, что данная картина стала очень значимой для карьеры Спилберга не только по причине того, что это его первый фильм, чья премьера состоялась не на телевидении, а на больших экранах, но также и потому, что именно с этого фильма начался легендарный тандем режиссёра с одним из величайших композиторов за всю историю кино – Джоном Уильямсом, у которого уже на тот момент был весьма приметный послужной список (в нём обращают на себя внимание знаменитый «Как украсть миллион» с Одри Хепберн и Питером О'Тулом, «Ад в поднебесье» от режиссёра «Кинг-Конга» с Джеффом Бриджесом и Джессикой Лэнг, «Приключения Посейдона», а также два фильма Марка Робсона). И надо сказать, дебют Уильямса как будущего несменного (за редчайшим исключением) коллеги нашего гвоздя программы получился славный, ведь не в последнюю очередь именно музыкальное сопровождение играет роль в наиболее полном погружении зрителя в здешнюю обстановку. Коль уж действие разворачивается в Техасе, то уже с первых сцен нас встречают радующие уши мотивы кантри, которые по ходу дальнейшего путешествия неоднократно напомнят о себе, а уж по-настоящему лютый разгон саундтрек берёт, когда в сюжет вступает непоколебимый капитан полиции, берущийся за дело под весьма подходящие его характеру суровые ритмы барабанов. Что же до местной фабулы, то «Шугарлендский экспресс» представляет собой микс из криминала и роуд-муви, и такое совмещение жанров по мере развития повествования превращает историю о непреодолимом желании местных Бонни и Клайда отобрать их ребёнка у приёмных родителей, которые в своё время удачно воспользовались моментом, пока биологические мать и отец мотали сроки, в размышление о том, какая участь ждёт оступившихся людей, пытающихся подкрепить свои мотивы добрыми побуждениями. При том сам Спилберг не делает эту парочку преступников ни всецело гадкими, ни полностью порядочными, а скорее предлагает самим зрителям дать героям оценочное суждение, намеренно осложняя эту задачу, например, тем, что в развязке супружеская пара с уголовным стажем обретает в глазах общества статус настоящих героев. А показывая, как их чаду некомфортно с приёмными родителями (причём настолько, что находясь рядом с собакой, он ведёт себя спокойнее), Стивен предельно ясно обозначает, насколько для сыгранных Голди Хоун (супруга Курта Рассела) и Уильямом Атертоном (его вы можете вспомнить по роли горе-репортёра из первых двух частей «Крепкого орешка») персонажей важна их цель. У самой этой парочки прослеживается в целом убедительная химия, которую основательно подкрепила сцена в трейлере, а Хоун моментами рвёт полимеры актёрской экспрессии, балансируя на грани, за которой стоит раздражающая истерия. А вот сам полицейский, чьё транспортное средство вместе с его услугами водителя реквизировали супруги, не вызвал лично у меня никакой симпатии. Тускловатый он какой-то, что ли, пусть и на словах его начальник выражает в его адрес исключительно похвалу. Ещё, пожалуй, отмечу, что сама развязка получилась довольно скомканная. Однако в целом первый фильм Спилберга, чья премьера сразу состоялась на экранах кинотеатров, в грязь лицом не ударил, и я говорю ему «ЛЮБО».

С выходом «Шугарлендского экспресса» и его победой на Каннском кинофестивале в номинации за лучший сценарий стало предельно ясно, что Спилберг – режиссёр как минимум многообещающий, однако уже следующая работа плотно закрепила его в высшей лиге и прославила не только его, но и многие аспекты кинопроизводства. И многие наверняка уже догадались, о чём конкретно идёт речь.

1975 год – «Челюсти»

Как правило, большие хиты предусматривают крайне витиеватую историю, связанную со всем процессом пре-продакшна, продакшна и пост-продакшна. «Челюсти» в этом плане исключением не стали. Многочисленные сценарные драфты, перестановки с кандидатурой на пост режиссёра, накладки по ходу съёмочного периода – всё это имело место быть, а по итогу из всей этой истории выплыл безо всяких преувеличений фильм-легенда, вызвавший столь же мощный резонанс в обществе, каковым обладало появление акулы в зоне видимости всех посетителей переполненного в праздник Дня независимости пляжа. Впрочем, такому раскладу есть вполне закономерное объяснение, ведь именно «Челюсти» послужили первопроходцем в тех элементах производства блокбастеров, которые в наши дни выглядят как нечто в порядке вещей. Да что уж там, эта картина в принципе и ввела в общемировой лексикон понятие «блокбастер». Проявлялось это и в том, что накануне премьеры фильма в книжных магазинах красовались экземпляры романа Питера Бенчли, который как раз-таки и лёг в основу сюжета ленты, с постерами и промо-материалами фильма на обложке, и в демонстрируемых на ТВ в прайм-тайм фрагментами из фильма (что, по сути, есть некий первообраз того, что в нашем понимании считается тизером), и во многих других средствах продвижения будущего кассового хита. И казалось бы, «Челюстям» уже практически 50 лет, но даже спустя столь значительный промежуток времени картина не ограничивается лишь бохвальством за счёт исторического статуса и всё ещё обладает теми компонентами, которые способны привлечь внимание современного зрителя. Среди таких компонентов первенство стоит отдать умело нагнетаемому саспенсу, который достигается за счёт умелых операторских решений и безоговорочно выдающимся музыкальным сопровождением от Джона Уильямса. Симбиоз этих элементов способствует повышению напряжения как в сценах, символизирующих приближение акулы (причём даже в тех из них, где камера обозначает движение акулы, не показывая её саму и перемещаясь как бы от её лица), так и в сценах реакций тех или иных героев на надвигающуюся опасность. Само собой, если бы единственной звездой фильма была кровожадная рыбёха, чья морда появляется на экране лишь во втором акте, ему бы не перепало и сотой доли того успеха, который он снискал. Поэтому тут и стоит перейти к ключевым персонажам, берущим на себя риск снизить до нуля шанс туристов-зевак быть съеденными. В их числе шеф полиции острова, на который и обрушивается страшная угроза, прибывший с эпицентра цивилизации сотрудник Института океанографии и бывалый моряк. Из них выходит весьма располагающий тандем, со своими притирками и взаимными подколами («Бояться воды и при этом жить на острове – это тоже бред»… тут уж нельзя не похвалить за меткость замечания), но всё же не теряющий коллективного духа даже в самые экстремальные моменты. Кстати, в одном из таких, а именно когда океанограф ввиду отсутствия альтернативного варианта опускается в воду, сидя в клетке, была задействована настоящая акула (в то время как во всех прочих сценах использовался аниматронный макет, иной раз выходивший из строя), но как и следовало ожидать, в процессе съёмок первоначальный замысел накрылся медным тазом, потому как вопреки оному рыба начала проламывать клетку, и это впоследствии не только угодило в финальный монтаж, но и вынудило внести в сценарий правки. К недостаткам, пусть и не особо критичным, можно внести разве что некоторые шероховатости во внутреннем наполнении персоны шефа. Скажем, не так уж и часто прописанная ему по сценарию боязнь воды давала о себе знать, а недостаточное раскрытие его отношений с детьми, ввиду чего приходится просто принять, что он за них очень переживает, лишает нужного драматического веса сцены, где он встретился с матерью погибшего от акульей пасти мальчика. В остальном же, повторюсь, «Челюсти» имеют в своём распоряжении всё, чем можно скрасить два часа досуга, а многие технические приёмы, ставшие для подавляющего большинства жанровых фильмов хрестоматийными, работают и по сей день, за что фильм и получает заслуженное «ЛЮБО».

Картина срывает громадный куш, становясь на некоторое время лидером в списке самых кассовых фильмов всех времён и народов, а также приносит Джону Уильямсу его первый Оскар в рамках сотрудничества со Спилбергом и своей волной популярности направляет киноиндустрию на те рельсы, по которым все мейджоры двигаются вот уже практически полвека… в том числе дав на откуп и свою тушу, над чем в своё время сыронизировали авторы второй части «Назад в будущее». Кстати, о будущем. Пора бы нам отмотать наши индикаторы времени на два года вперёд и ознакомиться с ещё одной весьма знаковой работой культового кинодела.

1977 год – «Близкие контакты третьей степени»

Без преувеличений, для режиссёра это был проект мечты, к которому ему выпала возможность приступить сходу после «Шугарлендского экспресса». Любопытно, что изначально работа над этим фильмом была нацелена итог в виде не художественного, а документального кино. Для этого Стивен изучал всевозможные материалы, какие можно было нарыть касательно НЛО, а также общался с людьми, которые сталкивались с необъяснимыми небесными явлениями. Но идею с документалкой было решено отбросить ввиду отсутствия должного бюджета, а после крышесносного успеха «Челюстей» студия Columbia Pictures дала режиссёру полный карт-бланш. Так и зародилась творческая грань Спилберга как фантаста, а «Близкие контакты третьей степени» стали пробой пера не только для него, но и в рамках кинематографа как такового, ведь наверняка многие, кто снимал кино о взаимодействии людей и представителей внеземных цивилизаций, вдохновлялся именно данной лентой (полагаю, что Земекис с Вильнёвым отчасти тоже черпали отсюда вдохновение). Так что в жанре научной фантастики этот фильм стал наряду с «Космической одиссеей 2001» определяющим для дальнейших жанровых образчиков, только если культовая лента Кубрика была сугубо созерцательным зрелищем, то «Близкие контакты…» нацелились больше на массовость. И теперь мне самое время кое в чём признаться. Хоть я и прекрасно понимаю и уважаю всю ту культурную ценность, каковой данный фильм обладает, но сильных впечатлений лично у меня он не оставил. У «Близких контактов…» весьма интригующее начало, крайне занятная концовка, но при всём при этом от второго акта повеяло духотой. Наблюдать за прогрессирующей паранойей, возникшей у главного героя после того, как он впервые лицезрел перемещавшиеся по странной траектории летающие объекты, в какой-то момент становилось утомительно, однако даже с учётом этого стоит признать, Ричард Дрейфусс вполне органично вошёл в образ. Он, кстати, взаимодействует со Спилбергом уже не впервые – первый раз актёр появился у режиссёра в «Челюстях», где Дрейфусс для борьбы с акулой примерил на себя обязанности океанографа. А вот по части чего к фильму точно никаких претензий нет и быть не может – так это по части его работы над аудио-визуальным рядом. Даже с учётом того, что в прошлом году «Близким контактам…» стукнуло 45 лет, его техническая часть способна впечатлить и по сей день. Сцены с разнокалиберными НЛО, в том числе как те, в которых они планомерно приближаются, скрываясь за облаками, так и те, где их в кадре попросту нет, а об их присутствии свидетельствует лишь страшной силы люминесценция – это высший пилотаж, а звуковое сопровождение здесь не только со всей присущей ему виртуозностью воздействует на барабанные перепонки зрителя (и речь не только об ожидаемо замечательном саундтреке от Джона Уильямса, но и о саунд-дизайне как таковом), но и становится важным элементом фабулы в третьем акте. Но мои субъективные ощущения от просмотра, как я уже отметил выше, по совокупности вышли абсолютно сдержанными и какого-то ощутимо положительного отклика картина у меня не вызвала, поэтому скажу ей «ТАК-СЯК», но с плюсиком в карму техническим специалистам и мысленным респектом.

Вполне ожидаемо «Близкие контакты…» собирают солидную кассу (288 миллионов долларов по миру и 116 в домашнем прокате при бюджете в 20), а на Оскаре фильму досталась статуэтка за операторскую работу. В других технических номинациях на той церемонии урожай наград собрали «Звёздные войны» (включая статуэтку за оригинальный саундтрек, которую взял всё тот же Джон Уильямс), но даже со столь монструозным конкурентом лента Спилберга всё равно за бортом не осталась, потому как там же она был отмечен Премией за особое достижение, которая была ей присуждена за монтаж звуковых эффектов. Так что Стивен на своё имя поработал славно, а вот следующая его работа стала своеобразным экспериментом, который, к сожалению, уже не пользовался таким же успехом по всем аспектам.

1979 год – «1941»

Если девушка идёт купаться в море в то время суток, когда солнце не светит, а в процессе купания считает нужным поплавать пару метров на спине – жди беды. В этом мы убедились ещё в «Челюстях», и с идентичной предзнаменующей нечто неприятное сцены начинается «1941» (причём даже саундтрек отдаёт реверансы в сторону первого громкого хита Спилберга). Вот только в данном случае эта сцена служит вступлением к буйству фарса и нелепости. Не поймите меня привратно – я далеко не ханжа и исключительно приветствую талантливо снятые комедии абсурда, сатирические и пародийные фильмы, в том числе и на армейскую тематику, и те же «Горячие головы» не дадут соврать. Здешний же стёб должной реакции не вызывает, так как фильм рушится от нагромождения персонажами, сюжетными ветками и сопровождающим всё это добро дурачеством. Тут вам и любовная линия, в рамках которой сотрудник общепита пытается отгородить свою возлюбленную от не особо манерного капрала, и ещё один романтический подсюжет, где другой военнослужащий, заприметив новую секретаршу генерала, мгновенно становится приверженцем мотивов одного 70-летнего пенсионера из передачи «Следствие вели» и умело использует в своих целях её увлечение самолётами, и ветка с лётчиком, маниакально охотящимся на японскую авиацию, и прочие лоскутки, которые лишь в последние полчаса фильма сшиваются воедино. И по итогу в голове остаётся лишь полное непонимание, к чему же была задумана вся эта непрекращающаяся суматоха. К тому, что всеобщая истерия зловредна и может отвести фокус от реальной проблемы? А такой вывод по большому счёту противоречит исходу местного набора событий, поскольку солдаты по итогу понимают, что атака японской подлодки – предтеча к куда более масштабным сражениям, а о том, что паника как таковая в принципе была, далеко не до всех местных персонажей допёрло, что особенно отчётливо прослеживается в реакции генерала на произошедшее. Тот, кстати, не стал свидетелем массовых беспорядков, потому как ему было важнее посмотреть «Дамбо» (я бы не удивился, если бы кинозал фигурировал в качестве локации для эпизода лишь в тот момент, когда по сюжету мультфильма наступил парад розовых слонов, размах абсурда в фильме от этого не изменился бы), и сам по себе этот момент вполне способен рассмешить. Беда в том, что таких сцен, которые по части комичности действуют, не вынуждая при этом зрителя скорчить лицо от стыда, довольно мало на два часа хронометража, а кроме них, а также весьма забавного отыгрыша Джона Белуши в роли того самого прибабахнутого лётчика и традиционно добротного музыкального сопровождения от Джона Уильямса, похвалить в фильме больше нечего. И тем удивительнее, что в работе над «1941», помимо фигуры режиссёра, каким-то образом оказался замешан дуэт Роберта Земекиса и Боба Гейла, которые уже шесть лет спустя подарят кинематографу нетленную классику. Как будто всех троих кто-то подменил и решил совместить съёмочный процесс с бурной пьянкой. Я же ставлю фильму первый в рамках фильмографии Спилберга «НЕЗАЧЁТ», однако, к счастью, такой вердикт в этой части экскурса уже никто не получит. И да, с Кристофером Ли здесь обошлись уж больно беспощадно… Во всех смыслах…

Несмотря на весьма удручающий приём как со стороны прессы, так и со стороны зрителей, «1941» умудряется пробиться в число представителей технических номинаций на Оскар, однако против «Чужого» и «Апокалипсиса сегодня» у него явно шансов не было. Более за подобные жанровые приёмы Спилберг не брался, а два года спустя он не только реабилитировался после столь неутешительного «эксперимента на любителя», но и взял новую высоту в своей карьере. И тут мы с вами вступаем в 80-е и начнём с поистине монументального явления в поп-культуре. Наверняка многие из вас уже догадались, о чём пойдёт речь.

1981 год – «Индиана Джонс: В поисках утраченного ковчега»

Итак, с началом нового десятилетия в режиссёрской карьере Спилберга наступает один весьма значимый поворотный момент, и здесь вступает в игру тот, кто перенял у него статус режиссёра самого кассового фильма в истории кино. Речь о Джордже Лукасе, чьи «Звёздные войны» оказали натурально КОСМИЧЕСКОЕ влияние на киноиндустрию. Так вот, накануне показов той самой ленты, которая в наши дни известна, как «Эпизод IV», Лукас пересёкся со Спилбергом и предложил ему ознакомиться со своими наработками для предстоящей приключенческой ленты. После недолгих раздумий Стивен согласился занять режиссёрское кресло, попутно к делу был привлечён сценарист Лоуренс Кэздан (чей сын, кстати, тоже поработал над приключенческими фильмами – он снял две части «Джуманджи» со Скалой, в то время как за оригинальный фильм с Робином Уильямсом ответственен Джо Джонстон, который был в команде художников-постановщиков оригинальной трилогии «Звёздных войн» и первого «Индианы Джонса») – так и закипела работа над первым фильмом грядущей франшизы, жанровая принадлежность которой находит в душе вашего покорного слуги особый отклик. И в том, что админ паблика так неравнодушен к приключенческим фильмам с квестовым сюжетом, как раз-таки и виноват профессор, во внерабочее время предпочитающий напялить шляпу, взять с собой хлыст и отправиться на поиски древних артефактов. Сразу же считаю нужным отвесить пару комплиментов в адрес исполнителя главной роли. Харрисон Форд приглянулся Спилбергу, когда тот посмотрел «Империя наносит ответный удар», а сам же актёр без особых раздумий согласился на сотрудничество с режиссёром, по итогу просто превосходно войдя в образ Индианы Джонса. Находчивость, ловкость, состоятельность персонажа как боевой единицы сочетаются с ярким огнём в глазах Форда. Но вместе с тем герою не чужд и страх, источники которого настигают Инди в кризисный момент приключения, показывая при этом, что вопреки всему наш авантюрист всё же уязвим. Приятное впечатление производят и напарники главного героя в лице Салааха, чью роль сыграл Джон-Рис Дэвис, и Мэрион в исполнении Карен Аллен. Последняя хоть и примеряет на себя образ «дамы в беде», но в привлекательности от этого не теряет. Сами же поиски ковчега очень увлекательные и воспринимаются таковыми даже спустя 40 лет с премьеры фильма, чему способствуют как возникающие по ходу всей этой возни со столь важных для многих артефактом форс-мажоры, так и немалое количество отличного ситуативного юмора, плодородную почву к которому подготовил пролог к основному сюжету. Всё в том же прологе содержатся эпизоды, к которым впоследствии немало где делались отсылки – в частности, на побег Инди от индейцев нетрудно найти оммаж во второй части «Пиратов Карибского моря», а про легендарность момента с подменой идола я и вовсе молчу. А не менее легендарным по праву можно считать и саундтрек от Джона Уильямса с отличной комбинацией из лёгких по настроению и более возвышенных партий духовых инструментов.

Уж и не знаю, что ещё можно добавить. Не лишним будет и отметить, что «Искатели утраченного ковчега» оказались настолько мощным явлением поп-культуры, что выступали объектом для обсуждения и в нашем столетии, и наглядным тому примером служит убеждение, вошедшее в народ благодаря сериалу «Теория большого взрыва». Согласно ему, присутствие Индианы Джонса в истории с поиском ковчега никак не влияет на её исход, однако автор канала «ЭПИЗОДЫ» крайне конструктивно эту мысль опроверг. По итогу же скажу, что значимость дебюта Индианы на больших экранах, которую невозможно ставить под сомнение, и меткое попадание в тонкости моей душевной организации не оставляют мне никакого иного выбора, кроме как присудить ленте вердикт «ГИЧАГУД».

«Инди» моментально становится классикой жанра, а впоследствии и главным образцом для подражания в оном, собирает охапку технических Оскаров и запускает новый виток триумфального шествия Спилберга по кинематографу. А следующая работа режиссёра даже и не думала сбавлять темп в этом шествии.

1982 год – «Инопланетянин»

Прежде чем говорить о самом фильме, нельзя не отметить, что за его историей создания стоит фундамент глубоких переживаний Стивена по поводу пережитого в детстве. В дальнейшем и многие другие ленты режиссёра обретут отголоски этой же рефлексии, но именно «Инопланетянин» стал первым в карьере Спилберга отражением того, что оставило на его душе неизгладимый след. В 1960 году, когда Стивену было 13-14 лет, его родители развелись, и чтобы хоть как-то заполнить пустоту от столь ошеломляющей ситуации, будущий режиссёр «завёл» воображаемого друга. Всё это могло найти отражение в совершенно иной ленте Спилберга, работа над которой была приостановлена из-за съёмочного процесса «1941», а в дальнейшем режиссёру пришла мысль наложить подобный концепт на нереализованные идеи из «Близких контактов третьей степени». Так и родилась задумка о семейном фильме про взаимоотношения мальчика, не получающего понимания в кругу семьи, и пришельца. А взаимоотношения эти, доложу я вам, оказались до безумства трогательные и животрепещущие. Подобное воздействие на чувства зрителей достигается как за счёт непосредственных вербальных и тактильных контактов Эллиота и И.Ти. (от «E.T.», то бишь «Extra-Terrestrial», «внеземной»), так и дальнейшего вовлечения в эту ветку других героев (в первую очередь старшего брата и младшей сестры Эллиота), ну а самым запоминающимся моментом, ставшим весьма осязаемым подтверждением искренности дружбы между двумя главными героями, по праву можно считать тот, в котором Эллиот, будучи в школе, испытывал на себе распитие пришельцем пивка. Сам же И.Ти. – находка ещё та, причём и как персонаж, и как объект на экране. Его умение вытягивать шею поистине завораживает, а озаряющееся особым свечением сердце мгновенно выдаёт его открытость. По-своему примечательной сценой во всех этих похождениях двух друзей с разных уголков Вселенной стала их совместная левитация на велосипеде под ныне культовое музыкальное сопровождение Джона Уильямса. Надо ли говорить, что кадр из этой сцены впоследствии стал частью логотипа студии Amblin Entertainment, которая была основана в 1981 году совместными усилиями Спилберга и продюсера Кетлин Кеннеди? Для последней, к слову, «Инопланетянин» стал дебютом в её продюсерской деятельности, и зная это, грустно осознавать, что в наши дни имя давней коллеги Стивена обрело негативные коннотации, которые не вычеркнуть уже ничем. Однако и её неблагоразумная политика на посту главы LucasFilm не должна быть поводом для придания анафеме её былых заслуг, череду которых рассматриваемый в данный момент фильм и начал.

А что же по итогу? Да, в наши дни картина местами может показаться излишне наивной, а антагонисты никоим образом не создают чувства опасности, но всё это уходит на второй план благодаря проникновенной концовке, при просмотре которой невозможно сдержать слёз. Это я вам говорю как человек, который впервые посмотрел «Инопланетянина» ещё в младшем школьном возрасте и не пересматривал вплоть до погружения в работу над данным текстом. Фильму же говорю «ЛЮБО».

Спилберг вновь доказывает, что он на коне, ведь его новая работа снова ставит мировой рекорд по кассовым сборам, добавляет в копилку наград Джона Уильямса ещё один Оскар и в целом успешно проезжается по наградному сезону, но что более важно – своими художественными компонентами формирует неустаревающий источник вдохновения на десятилетия вперёд. Не случайно для как можно более выраженного реверанса в сторону эпохи 80-х ключевые герои «Очень странных дел» часто рассекают на велосипедах. Ну а после столь значимой для мировой киноиндустрии работы режиссёр возвращается к похождениям нашего старого знакомого, и уже два года спустя зрителям вновь предоставляется возможность ощутить столь полюбившийся им дух авантюризма.

1984 год – «Индиана Джонс и Храм судьбы»

Спилберг и Лукас вновь воссоединились, дабы подкинуть искателю острых ощущений и всяческого старья новые вызовы. Но кстати, с точки зрения внутренней хронологии «Храм судьбы» является не сиквелом «Поисков утраченного ковчега», а их предшественником (поиски ковчега датируются 1936 годом, в то время как путешествие в Индию приключилось в 1935 году), однако именно здесь прослеживается тенденция, присущая многим сиквелам. Хотя стоит заметить, ранее к этой тенденции приложили руку не абы кто, а сами «Звёздные войны» в сюжете о наносящей ответный удар Империи. Тенденция эта отражается в обогащении второго фильма франшизы мрачной атмосферой, и в «Храме судьбы» это тоже во всей красе проявилось. Уже начиная с весьма гнетущей обстановки, которая окутала индийскую деревушку и неустанно вселяет в её жителей страх, новое похождение Инди даже не думает на этом останавливаться и далее демонстрирует ритуалы, от которых кровь стынет в жилах, а попутно подкидывает парочку поводов для инсектофобов ощутить мандраж. Не скажу, что это портит фильм, просто к такой резкой смене курса привыкаешь далеко не сразу. Тем не менее, подобная атмосфера придаёт сценам с участием ключевых героев более высокий градус напряжения. Правда, что до самих героев, то вот тут и кроется более критичная претензия к фильму. Никакого желания сопереживать новой попутчице знаменитого археолога в лице сыгранной Кейт Кэпшоу артистки из ресторана не возникает, потому как она своим поведением нередко становится источником раздражения. На её фоне героиня Карен Аллен из «Искателей утраченного ковчега» смотрится куда более выигрышно. А вот кто оказался куда более располагающим как персонаж – так это Коротышка в исполнении Ке Хьюи Куана, которого благодаря прошлогоднему «Всё везде и сразу» настигла мощнейшая волна популярности. Кстати говоря, «Храм судьбы» для мальчика стал дебютом в актёрской карьере, так что Спилбергу можно выразить респект за открытие миру юного таланта с большим будущим (по большому счёту то же самое относится и к пятилетней Дрю Бэрримор, чья роль в «Инопланетянине» прославила будущую звезду «Ангелов Чарли» на весь мир). Прочие же плюхи, которыми приглянулся зрителю первый фильм, здесь на месте: Форд как вошёл в кураж, пестря своей харизмой, так и не выходит из него на протяжении всех двух часов хронометража, поддержанию драйва содействует сцена крушения самолёта, а в юмористической составляющей нашлось моменту, в котором удачно сплелись отсылка к предыдущему фильму и разрыв шаблона в её же обыгрывании. Как бы там ни было, «Храм судьбы» марку держит, за что я и выношу ему вердикт «ЛЮБО».

Картина получает заметно менее тёплый приём как от критиков, так и от аудитории, а в прокате себя показывает пусть и успешно, но по итогу собирает меньше «Искателей утраченного ковчега». Но тем не менее, чем-то удручающим как в художественном, так и в финансовом плане новый фильм про Инди определённо не стал, всё равно достойно продолжив лучшие традиции первого фильма (хоть и с отмеченными выше оговорками), а на Оскаре он снова одержал победу за визуальные эффекты. Мы же с вами ещё вернёмся к приключениям доктора Джонса, не выходя за пределы этой части экскурса, а пока направляемся в 1985 год, когда Спилберг предоставил публике один из наиболее необычных образчиков своей карьеры.

1985 год – «Цветы лиловые полей»

Можно ли на главную роль в довольно тяжёлой по части эмоционального наполнения драме утвердить начинающую актрису, ранее открывшую свой талант в комедийных театральных постановках? Легендарный режиссёр даст вам строго положительный ответ, ведь в фильме с обозначенной выше характеристикой Стивен впервые представил на киноэкранах Вупи Голдберг. На это решение режиссёра натолкнула писательница Элис Уокер, чей роман и лёг в основу сюжета «Цветов…», так как она уже видела Голдберг на сцене театра. Уж и не знаю, так ли это было на самом деле, но как мне видится, такой подход к кастингу имел особую психологическую подоплёку. И эта подоплёка по итогу была проиллюстрирована на экране, причём самой ярким штрихом этой иллюстрации стала улыбка Вупи, которая выглядела невероятно искренне, живо и воодушевляюще. Это очень важная деталь, потому как в любой непростом положении жизнерадостный настрой, равно как и хороший юмор, в котором Голдберг уже на тот момент знала толк, выполняют роль спасательного круга. А ведь мало сказать, что история, приключившаяся с главной героиней по имени Сили, непростая, ведь она едва ли не полностью состояла из лишений, приступов упадка внутренних сил и душераздирающих ситуаций. Это заявляется прямо с порога: фильм начинается с того, что главную героиню насилует тот, кого они с младшей сестрой вынуждены звать своим отцом. А далее дело легче не становится – Сили выдают замуж супротив её воли, затем её муж разлучает её с сестрой, а в дальнейшем подвергает её унижениям и расценивает строго как прислугу (будучи при этом той же расы). Эта психологическая тюрьма истощает запас внутренних сил Сили, а тлетворная аура её супруга прорастает своими корнями вширь через его безвольного сына Харпо, но даже в столь беспросветном мраке героиня способна проявлять радушие, а это впоследствии заряжает её верой в то, что рано или поздно она из этой тюрьмы выберется. Столь тернистый путь с ухабистыми дорогами, который внутреннему миру Сили довелось преодолеть, показан весьма чутко и проникновенно, а самой приметной по мере движения по этому пути становится линия взаимодействия героини с певицей Шуг. Вместе с этим стоит отметить не то чтобы катастрофически важную для сюжета, но весьма умело обыгранную по части эмоционального накала линию с первой женой Харпо по имени Софи. Что примечательно, её роль также сыграла знаменитость, на первый взгляд не попадающая в ассоциативный ряд с драмами – Опра Уинфри, однако её игра вышла довольно колоритной. Чем ещё примечательны «Цветы лиловые полей» – так это тем, насколько рассудительно они говорят о тяжбах чернокожего населения в США, при этом глядя на них через призму взаимоотношений внутри самой расы и не прибегая к выставлению представителей европеоидной расы в качестве главного бича. О чём тут ещё можно говорить, когда из всех действующих лиц белых всего трое – почтальон, мэр и его жена, и то они появляются лишь в ряде эпизодов, так что все эти новомодные расовые квоты, которые заполонили современный Голливуд, с обозреваемым в данный момент фильмом и рядом не стояли. В качестве субъективного «фи» скажу лишь, что первые минут 30-40 лично мне показались слишком надрывными, отчего наблюдать за тем, что на их протяжении происходило, мне чисто на животном уровне было не так уж и просто. Но это не отменяет того, что «Цветы лиловые полей» вышли весьма достойным заходом Спилберга на территорию жанра социальной драмы, так что не поскуплюсь на вердикт «ЛЮБО».

И хотя фильм был строго положительно оценён как зрителями, так и критиками, а также шестикратно окупился в американском прокате, в наградном сезоне он потерпел колоссальное фиаско – будучи выдвинутыми в одиннадцати номинациях на Оскаре, «Цветы…» не взяли НИ ОДНОЙ статуэтки. Уверен, произойди бы эта ситуация в наши дни, уже на самой церемонии в здании, где проводилось награждение, случился бы сущий кошмар. В итоге всё, что досталось фильму – это Золотой Глобус за актёрскую игру Вупи Голдберг. Тем временем Спилберг продолжил работу в драматическом векторе, и следующая его работа уже затронула тему Второй мировой войны, причём с позиции не самых известных её событий.

1987 год – «Империя Солнца»

Вместе с этим фильмом Спилберг вновь открыл миру юный талант с большими перспективами. И на этот раз перспективы оказались настолько крышесносными, что на текущий момент исполнитель главной роли в «Империи Солнца» знаменит своим крайне дотошным подходом к съёмкам. Да, вы всё правильно поняли, и главную роль в данной работе знаменитого режиссёра сыграл Кристиан Бэйл. И да, вы можете справедливо заметить, что на пару месяцев раньше вышел фильм «Мио, мой Мио», где Бэйл также исполнил главную роль, а посему именно его следует считать актёрским полнометражным дебютом будущей звезды Голливуда, но будем честны – несправедливо будет отрицать, что куда большее число и зрителей, и киноделов заприметили мальчика именно благодаря его роли в рассматриваемом в данный момент фильме Спилберга. 13-летний Кристиан воплотил образ беззаботного выходца из проживающей в Шанхае зажиточной европейской семьи, которого с родителями разлучают нежданно постучавшаяся в их двери война и столпотворение, созданное охваченными страхом горожанами. Так и остался мальчишка один на один с желанием выжить, однако волей случая он попадает в лагерь для интернированных граждан, где, тем не менее, старается бережно хранить всё то светлое, что может за собой нести душа ребёнка. Разумеется, чем дальше движется фабула, тем суровее для главного героя становится школа жизни и тем менее прочными становятся сотканные детскими впечатлениями нити, но готов поспорить, что одна черта у мальчика всё же осталась неизменной на протяжении всего хронометража, просто раньше он этого ещё не осознавал. Неважно, кто перед ним – японец, китаец, англичанин или американец, персонажу Бэйла куда важнее человеческие качества, и глядя на обездоленного китайца, на ослабевшую англичанку или столь же сильно, как и он сам, увлечённого самолётами японского подростка, он видит в них прежде всего людей. Апофеозом же подобного нравственного ориентира становится подсюжет с тем самым японским подростком, в котором также ставится точка в отношениях главного героя с персонажем Джона Малковича по имени Бэйзи. Арка последнего проходит через приличную часть хронометража, и если призадуматься, то конфликт зреет едва ли не с начала его пребывания в лагере. Ведь навряд ли бы Бэйзи туда попал, если бы главный герой не дал наводку на некогда принадлежавший его семье дом, и уже сцена, в которой мальчик ставит силки за пределами лагеря, недвусмысленно даёт понять, что герой Малковича не позабыл старые обиды. Видно, что Спилберг крайне кропотливо подошёл к съёмкам, что особенно наглядно отражается в постановке сцен с массовыми скоплениями людей, от которых зрителю либо тесно, либо тревожно, либо всё вместе, а также в актёрской работе Бэйла, который крайне талантливо воплотил и детскую наивность, и бескорыстную щедрость души, и тревогу, и даже гнев, а чем ближе сюжет подходил к концу, тем грубее и ниже становился его голос. Да, куда более сильное высказывание Стивена на тему войны в целом и эпизодов Второй мировой в частности было ещё впереди, но благодаря этому фильму он показал, что с подобным сеттингом он справляется прекрасно и что вызывать должный драматический накал ему под силу, и это определённо заслуживает вердикта «ЛЮБО».

Картина получает весьма крепкие оценки от зрителей и прессы (хотя тот же знаменитый Роджер Эберт сделал касательно ленты достаточно спорные выводы), однако соизмеримыми с таким приёмом сборами, как минимум в домашнем прокате уж точно, она похвастаться не смогла, а в наградном сезоне её подстраховала Британская киноакадемия, наградив работу оператора, музыкальное сопровождение и работу над саунд-дизайном. Теперь же, как я и обещал раньше, нам предстоят новые приключения с участием полюбившегося миллионам героя.

1989 год – «Индиана Джонс и последний крестовый поход»

Идею о доведении франшизы о харизматичном археологе до полноценной трилогии Спилберг и Лукас вынашивали ещё с самого начала, так что выход триквела был лишь вопросом времени. К работе над сценарием Стивен привлёк своего коллегу по двум предыдущим картинам, Менно Мейеса, а в процессе проработки атмосферы новых приключений Инди было решено вернуться к духу «Искателей утраченного ковчега» (вплоть до того, что новые враги Джонса – это снова приспешники Третьего Рейха), потому как многим зрителям мрачноватый тон «Храма судьбы» не пришёлся по нраву. С места в карьер скажу, что третья часть во всей киносерии о профессоре Джонсе – моя самая любимая. Создатели выкрутили привычную для поклонников дебюта второго культового образа Харрисона Форда залихватскую лёгкость едва ли не на максимум, добавив в стандартный двухчасовой хронометраж ещё больше увлекательных погонь, каковые имели место быть и на земле, и на воде, и в воздухе. Кроме того, весьма основательную прокачку получила комедийная составляющая, ведь как словесных колкостей, так и показанных сугубо языком действия смешных моментов здесь больше, чем когда-либо прежде во франшизе, и это не может не радовать. Охота за Граалем получилась безумно захватывающей не только благодаря тем способам обогащения динамики, что были отмечены ранее, но и за счёт более выраженной сонаправленности с «вектором квеста», когда на пути к артефакту появляются препятствия, для преодоления которых потребуется подключить смекалку. Но в чём ещё «Последний крестовый поход» заметно преуспевает и при этом заходит с таких козырей весьма неожиданно – так это обогащении личностной драматургии Инди новыми весьма размашистыми штрихами. Уверенные шаги к этой сценарной стратегии авторы делают уже в прологе, где нам предоставляется возможность ознакомиться с предысторией будущего археолога, начало которой берётся ещё когда Джонс состоял в отряде бойскаутов. В этой предыстории нашлось место вкраплению многих деталей, включая неотъемлемые атрибуты нашего искателя исторических ценностей и источник страха. Сам же центральный квест идёт в тесной связке со взаимоотношениями Джонса и его отца. Пожалуй, эта ветка – самая настоящая находка; чувствуется, что в неё Спилберг хотел вложить частицу собственного жизненного опыта (видимо, переломный момент в жизни режиссёра всё так же сильно в нём отзывался, что даже было отмечено в диалоге на развилке), а исполнивший роль Джонса-старшего Шон Коннери крайне живо и эффектно вписался в новое авантюрное приключение. Новая привлекательная спутница Инди, чей образ воплотила Элисон Дуди, на сей раз не так проста, а приятным дополнением к местному набору действующих лиц послужило возвращение старых знакомых в лице Салааха и давнего коллеги Индианы по университету. Ну а финальный месседж картины, являющийся базовой и знакомой практически каждому моралью множества историй о поиске сокровищ, и финальный кадр, в котором ключевые персонажи уезжают на лошадях в закат, только прочнее закрепляют весь спектр полученных за предшествующие два часа позитивных впечатлений, и это, несомненно, заслуживает вердикта «ГИЧАГУД».

Как и следовало ожидать, восприятие триквела публикой оказалось куда более благоприятным в сравнении с предшественником, а совокупное путешествие Индианы Джонса, растянувшееся едва ли не на всё десятилетие, ознаменовало собой самую настоящую эпоху. И такой фильм, как «Индиана Джонс и последний крестовый поход», мог бы стать как идеальным завершением франшизы, так и замечательным завершением нашего сегодняшнего экскурса. Однако к похождениям Генри Джонса-младшего (Инди, не сердись) мы вернёмся в следующий раз, и как бы мне ни хотелось обратного, а последним фильмом, который соответствует рассматриваемому нами промежутку, является не этот, а ещё одна картина, которую Спилберг успел явить миру к декабрю всё того же 1989 года.

1989 год – «Всегда»

На этот раз режиссёр спустя 12 лет вновь решил поработать со звездой «Челюстей» и «Близких контактов…» и своим, как сам Стивен признавался, экранным альтер-эго – Ричардом Дрейфуссом. Здесь актёр исполнил роль лётчика по имени Пит, постоянно норовящего идти на нечеловеческие риски (забавно, что на эту роль претендовал Том Круз, которому со Спилбергом ещё предстояло поработать), что его возлюбленной далеко не по нраву. И вот случается так, что спасая своего напарника, он погибает, однако при этом в небесную канцелярию не попадает, а продолжает шагать по столь знакомой ему земле, но в метафизическом обличии. И с момента, когда до главного героя таки дошло, что он мёртв, фильм начинает проседать, а кроме того, в дальнейшем становится понятно, что весь сюжет мог бы спокойно уложиться в короткометражку. Пита на протяжении едва ли не всего второго акта не сопровождают никакие риски, а вариант их внедрить в фабулу выглядел бы вполне рабочим, если бы он до смерти не успел сделать что-то важное. Да, он при жизни так и не сказал своей возлюбленной те самые три заветных слова, но строить на этом сквозную драматургическую арку на протяжении двух часов - дело, на мой взгляд, не особо результативное, в особенности если держать в голове, что по-настоящему осязаемый кризисный момент в их отношениях (то бишь сцена перед вызовом на задании) в следующей же сцене сходит на нет, что несколько удручает после очень добротного отображения химии между ними в предшествующие полчаса. Ветка с новобранцем, которого главный герой, будучи призраком, тренирует, и вовсе к развязке обнуляется и по большому счёту напичкана уходящими в никуда сценарными решениями. Впрочем, развязка так или иначе вспоминает про драматургические крючки, висевшие ещё в первой трети фильма, оттого и какое-никакое переживание за героев возникает, и та химия между главным героем и его дамой сердца, что была очень хорошо раскрыта в начале, находит новую грань. Но что примечательно, благодаря последнему в умение Пита преодолевать своими напутствиями барьер между загробным миром и миром смертных веришь, хотя до этого (в частности, в сцене где герой Дрейфусса и новобранец решили переждать непогоду) предпринималась попытка дать этой способности некое рациональное зерно через появление живого посредника, и попытка эта, откровенно говоря, нелепая. За что ещё стоит похвалить «Всегда», так это за отыгрыш актёров – в частности, самыми яркими получились Холли Хантер и Джон Гудман. А вот Одри Хепберн, кстати, тут всего-то на две непродолжительные сцены заглянула, и на мой взгляд, не такой лебединой песни заслуживает карьера столь знаковой актрисы. В общем, довольно спорным мне показался этот фильм, и я не могу сказать ему ничего более, чем «ТАК-СЯК».

И вот на такой ноте, коей резонирует в моей душе 1989 год в карьере Спилберга, полупечальной и полурадостной, мы прерываем наш экскурс. В следующей части вас ждёт, пожалуй, самый яркий период карьеры дедушки Стивена, в котором нашлось место и проектам-долгостроям, и крышесносным творческим и кассовым успехам, и много чему ещё. Я же надеюсь, первая часть этого путешествия вам понравилась, а пока машина времени, на которой мы с вами эту часть путешествия и преодолели, отправляется на дозаправку. До новых встреч!