10 киношедевров 2022 года
Сезон кинонаград закончился и сейчас мы можем с чистой совестью судить о том, насколько невероятным и успешным 2022 год оказался для киноиндустрии.
Скорей всего, за это надо «поблагодарить» охватившую мир пандемию короновируса. Именно из-за неё многие были вынуждены подвинуть съёмки и даты премьер на 2022ой. В итоге, он превратился в фейерверк из ярких картин и вернул людей в кинотеатры. Свежие блокбастеры, трогательные драмы и совершенно безумные, оригинальные проекты вытянули нас из просиженных за карантин диванов и заставили снова почувствовать особую «магию кино».
Мы собрали для вас 10 художественных и анимационных картин 2022 года, которые не просто заслуженно забрали свои награды и покорили сердца зрителей, но и обеспечили себе искреннее признание среди коллег по цеху.
Вас ждёт много вдохновения, откровений, эмоций и идей!
Обязательно сохраняйте эту подборку и отмечайте в своей памяти прошедший 2022 не только как время потрясений, но и как великий год для истории кино 🍿
1. Всё, везде и сразу
В жизни Эвелин царит бардак. Она никак не может составить налоговый отчёт, пожилой отец постоянно требует внимания, муж витает в облаках, а ещё и дочка привела свою девушку знакомиться с семьёй. Во время визита в налоговую всё запутывается ещё сильнее — оказывается, Эвелин может скакать по параллельным вселенным и получать доступ к воспоминаниям и навыкам других версий самой себя. И теперь, в полнейшем хаосе, женщине придётся противостоять загадочной злой сущности, которая решила разрушить не только этот мир, но и всю мультивселенную.
«Всё, везде и сразу» — это абсурдная и трогательная комедия о путешествиях по мультивселенной, покорившая не только Оскар, но и собравшая более 160 самых престижных наград по всему миру.
И это настоящий феномен.
Идея, начавшаяся с фразы - «Давай поместим мою маму в матрицу», в итоге вышла из под пера Дэниела Шайнерта и Дэна Квана (Daniels) многослойной, интересной историей о депрессии, травме поколений, трудностях семейной жизни и любви, мастерски замаскированой под комедию полную экшена. Такой интерпретации мультивселенных вы не увидите ни в одном фильме «Марвел», даже со словом «Безумие» в подзаголовке.
Во «Всё везде и сразу» есть камни-философы, межпространственные бейглы и кунг-фу на мизинцах. Чтобы подключиться к сознанию параллельных версий себя, героям нужно совершить какое-то маловероятное действие: например, съесть помаду или порезать себе бумагой кожу между пальцами. В одной отдельно взятой сцене у Дэниелов больше оригинального, чем в некоторых картинах целиком! И весь творящейся на экране абсурд лишь подчёркивает главные посылы ленты о принятии, любви, смысле жизни и семье.
Отдельное удовольствие — наблюдать за актёрами, которым здесь удалось сыграть абсолютно разные версии героев(себя из разных вселенных), переключаясь между характерами практически мгновенно! И ирония в том, что всем в кадре, от Мишель Йео до Джейми Ли Кёртис и Ке Хюи Куана, раньше даже не доставались подобные роли, которые так всесторонне могли раскрыть их драматический талант. Каждая выигранная статуэтка Оскар - заслужена!
Не каждый год, такое кино, совершенно не «оскаровского» формата, собирает не только все награды, но и завоёвывает сердца широкой публики (о чём свидетельствует неожиданный коммерческий успех ленты). Обязательно посмотрите этот прекрасный фильм, если до сих пор не сделали этого 😉
2. Кит
Страдающий ожирением мужчина по имени Чарли когда-то бросил семью ради любовника. Оказавшись на пороге смерти, он пытается восстановить отношения с дочерью-подростком Элли, которую не видел несколько лет.
«Кит» — это триумфальное возвращение Брендана Фрейзера в кино с трогательной притчей о милосердии.
Новая работа Даррена Аронофски представляет собой очень камерное, практически театральное произведение. Картина основана на пьесе Сэмюэла Д. Хантера.
Режиссёру удалось перенести на экран это ощущение напряжения со сцены, будто прямо перед тобой разворачивается жизненная драма, а от дистанции между актёрами и зрителем не осталось ничего, кроме хрупкой четвёртой стены.
Вся обстановка картины, ракурсы, разговоры, паузы и свет, работают на то, чтобы создать иллюзию присутствия. Вы оказываетесь в одном пространстве с актёрами, вплоть до того, что ощущаете всю тесноту затхлой квартирки где проводит свои последние часы жизни главный герой.
В одной маленькой комнате, запертый в ней огромный «кит», поёт свою последнюю песню и очищает сердца тех, кого она трогает.
И, конечно же, главный актёр картины, Брендан Фрейзер феноменально справился с ролью! Его Оскар - это не просто награда за проделанную работу, а вершина на невероятном пути от героя комедий и боевиков до колоссального уровня актёрского мастерства. О наличие такого таланта, мы бы не узнали, если бы не Даррен Ароновски, поверивший в актёра.
Каждому художнику мы рекомендуем обратить внимание на атмосферу и характеры созданные в картине, но, что ещё важнее, каждому ЧЕЛОВЕКУ мы советуем прислушаться к посылу ленты и запомнить - «Люди- удивительные! »
3. На западном фронте без перемен
Весна 1917 года, третий год длится Первая мировая война. Четверка молодых немцев с воодушевлением получают повестки в армию. Один из них, Пауль, даже подделывает подпись родителей, чтобы поскорее оказаться на фронте со своими товарищами. «Через неделю Париж будет наш», — с жаром твердит министр мобилизованным, и те, заряженные волей к победе и героизмом, отправляются на Западный фронт.
Опубликованный в 1929 году роман Эриха Марии Ремарка «На Западном фронте без перемен» ошеломил всю общественность. Писатель высказал ужасную правду о Первой мировой войне, которую никто не хотел слышать и признавать: в ужасающей бойне, унесшей миллионы жизней, не было абсолютно никакого смысла, а последствия ее катастрофичны для всех, независимо от «сторон». Этот вывод так сильно раздражал нацистов, что придя к власти, они объявили Ремарка вне закона и стали сжигать его книги. В 1930-е годы немцы Ремарка так и не услышали, и мы знаем чем это закончилось.
Пожалуй, нужно иметь смелость снимать кино о своих поражениях и ошибках, но режиссер Эдвард Бергер нашел в себе силы показать поколение своих дедов в самом неприглядном виде. Его адаптация «На Западном фронте без перемен» показывает правдоподобные пейзажи Первой мировой войны: грязные окопы, беспрерывные дожди и несчастные лица солдат, ожидающих прилета вражеского снаряда.
Хотя Бергер экранизировал Ремарка достаточно вольно, хорошо видно, что режиссеру важно передать дух и замысел первоисточника. В картине замечательно показан безумный калейдоскоп войны: убитых немцев буднично сменяют новые молодые мобилизованные, с тела погибшего снимают форму, а затем ее перешивают и передают новенькому, лишь содрав протертую нашивку с именем бывшего хозяина, а добродушный солдат Качински в какой-то момент зовет себя просто «сапоги с ружьем».
Война ,как процесс расчеловечивания и деградации, показана в фильме с впечатляющей убедительностью. Композиция кадра, игра актёров, цвета, звуки и музыка — всё в картине погружает зрителя в безумный мир бессмысленного кровопролития через скорбь по каждому напрасно погибшему человеку. И главный герой Пауль, этот веселый немецкий мальчишка, в финале становится безразличной машиной для убийств с бледным лицом и пустыми глазами.
«На Западном фронте без перемен» — актуальное и важное напоминание о том, что за красивыми лозунгами о победе всегда скрываются мрак и ужас. Бергер вслед за Ремарком не открывает каких-то новых истин, не переосмысляет события Первой мировой, но наглядно демонстрирует хаос и абсурд бойни, страшный эффект, который оказывает она на людей. Хотелось бы, чтобы наследие Ремарка оставалось в прошлом, но то, что его экранизация сегодня вызывает такие острые чувства, означает, что возвращаться к нему нужно гораздо чаще.
4. Аватар путь воды
Помимо впечатляющих оригинальных картин, этот год выделяется потрясающими и долгожданными сиквелами: «Топ Ган», «Кот в сапогах», «Чёрная Пантера» и, конечно же — «Аватар: путь воды».
Продолжение истории Джейка «Сулли» стартует прямо от концовки первой части — после принятия образа аватара. Теперь солдат Джейк становится предводителем народа на'ви и берет на себя миссию по защите новых друзей от корыстных бизнесменов с Земли. И ему есть за кого бороться — на Пандоре вместе с Нейтири у них образовалась настоящая, большая семья из своих и приёмных детей. Но земляне не оставляют попыток колонизировать мир богатой ресурсами планеты и возвращаются вооруженными до зубов, Джейк готов дать им отпор.
Первый «Аватар» вышел в 2009-м и тут же стал культурным феноменом. 13 лет спустя выходит его долгожданное продолжение, подтверждающее как минимум одну истину: нельзя недооценивать Джеймса Кэмерона — особенно когда речь заходит о сиквелах.
Любая дискуссия про «Аватара» упирается в его революционную графику и в то, какой технологический прорыв совершил Джеймс Кэмерон. Переоценить заслуги режиссера-визионера невозможно. «Путь воды» действительно выглядит головокружительно и в плане компьютерных эффектов — это новая планка качества для всей индустрии. Фильм хочется разглядывать и разглядывать, кадр за кадром. Кэмерон не зря потратил 13 лет на разработку уникальной технологии подводных съемок, полировку графики и дизайн полностью вымышленной окружающей среды. Вам даже не понадобятся 3D-очки, IMAX-экран и 48 кадров в секунду, чтобы потерять голову от красоты второго «Аватара».
Кэмерон одержим океаном. Мотивы воды присутствуют буквально во всех его фильмах, начиная с трешевого дебюта про летающих пираний-убийц и заканчивая сай-фаем про инопланетную цивилизацию, которая маскируется, конечно же, под воду («Бездна»). Первый «Аватар» позаимствовал в изображении лесной природы Пандоры как раз морскую экосистему, поэтому напоминающие медуз души и флуоресцентные деревья создавали по-настоящему уникальный природный ландшафт, ничем не похожий на привычный нам. Первый «Аватар» был выдающимся, потому что он переносил зрителя на совершенно другую планету и позволил на три часа забыть о реальном мире. Второй «Аватар» выдающийся, потому что его мир настолько продуман, будто это и есть единственная «реальная» реальность.
В середине картины «Путь воды» вообще забывает, что он зрелищный научно-фантастический блокбастер, и отплывает в сторону созерцания природы — причем явно восторженными глазами Кэмерона. Мир второго «Аватара» уже похож на наш: кораллы, рыбы, особенно китообразные существа, напоминают морских обитателей из познавательных документалок, возможно, даже тех, что снял сам Кэмерон («Чужие из бездны», «Призраки бездны»). В этом вся душа фильма. Глядя на богатое разнообразие фауны, на передвижения, взаимодействия друг с другом и с героями фильма удивительных существ, отказываешься верить в то, что перед нами с нуля воссозданная, полностью цифровая среда обитания. ЖИЗНЬ буквально пробивается с экрана, хотя, казалось бы, за годы технического прогресса обилие спецэффектов в кино стало маркером искусственного зрелища. Именно это волшебство, вновь сотворённое Кэмероном, его картина снова удостоилась «Оскара» за лучшие спецэффекты.
Аватар: Путь воды» получился сборник лучших хитов Джеймса Кэмерона. Его самое трогательное и невероятно красивое семейное кино. Фильм, в который он вложил исключительное техническое мастерство и любовь ко всему живому.
5. Банши Иниширина
1923 год, островок Инишерин возле западного побережья Ирландии. Народу здесь мало, и компанию простоватому доброжелательному фермеру Подрику составляют рассудительная незамужняя сестра, недалекий сын полицейского, миниатюрная ослица Дженни и, главное, его лучший друг — пожилой скрипач Колм. Однажды Подрик, следуя ежедневным маршрутом, заходит за Колмом по дороге в паб, а тот вдруг отказывается не только выпивать, но даже разговаривать с ним. Прижатый к стенке Колм сообщает, что считает Подрика скучным, а если тот продолжит к нему приставать, он отрежет себе палец.
Нужно быть драматургом уровня Мартина Макдоны (режиссёр построил успешную карьеру в театральной среде), чтобы из такой «детсадовской» завязки разыграть сколь абсурдную, столь же и мощную трагикомедию. До самой развязки тут что не диалог, то остроумность, которая заставляет искренне смеяться, хотя персонажи ведут беседы о чем-то грустном.
События разворачиваются в богом забытом месте, где, кроме выпивки и бесконечного созерцания Атлантического океана, больше и нечем заняться. Персонажу Фаррелла будет крайне трудно смириться с новым положением вещей. Он — простой пастух, обычный добродушный деревенщина, не обременяющий себя вопросами о вечном. А вот Колм, напротив, рефлексирует и пытается оставить что-то после себя, понимая, что основная часть жизни уже позади. Режиссёр мастерски и очень иронично показывает растущий разрыв между бывшими друзьями.
Каждый из героев живёт на своём небольшом клочке затерянного острова и слышит далекие взрывы орудий — отголоски войны, которые их совсем не беспокоят. Этот сюжетный элемент важен режиссеру, снявшему фильм в год нескончаемых бурь: штурм Капитолия в США, революция в Мьянме, захват Афганистана террористами и множество других громких событий. Они напоминают военную канонаду, подавляющую шумом любые чувства и эмоции. Вот только до острова Инишерин эхо от взрывов еле доносится. В своей картине, МакДона, максимально изолирует героев от реальности и создаёт другую - реальность острова. Режиссёр любуется красивыми кадрами дикой природы Ирландии, использует сказочные мотивы, даже многозначительную фигуру осла, а еще здесь есть страшная бабуля, которая явно ассоциируется с теми самыми мифическими банши и внушает ужас обитателям острова, предвещая неизбежную смерть.
«Банши Иниширина» — это фильм, получивший сразу два приза на Венецианском кинофестивале и обеспечивший режиссёру, и каждому актёру в команде номинацию на «Оскар». Шутки про то, что на премию приехала половина Дублина постоянно проскакивали в сети и даже прозвучали из уст ведущего церемонии - Джимми Киммела.
6. Треугольник печали
Пара моделей Карл и Яя отправляются в роскошный круиз на яхте в компании богатых пассажиров, где можно встретить и русского бизнесмена, и британских производителей оружия, и гения IT. Капитан судна — марксист, находящийся в перманентном запое. Пока всё идёт своим чередом: гости отдыхают, персонал трудится, жена русского бизнесмена чудит. Но вскоре произойдёт неожиданное событие, которое перевернёт заведённый порядок и вынудит некоторых переосмыслить своё место и значимость.
В «Треугольнике печали» вы найдёте и размышления о двойных стандартах, и сатиру на классовое неравенство, и политические остроты, и критику капитализма, и закулисье модной индустрии — здесь есть всё, над чем так приятно, но тяжело искренне смеяться. Фильм заслуженно стал обладателем «Золотой Пальмовой ветви» Каннского кинофестиваля-2022.
Это, прямо скажем, не динамичный фильм, он любит хватать зрителя за руку и помещать его в свои самые затянутые и абсурдные сцены, которые хоть и кажутся чересчур надуманными, но это далеко не так. Таким образом, мы получили сцены ссоры молодой пары, выясняющей насколько они равны в отношениях, или эпизод, в котором пьяная дама заставляет весь персонал корабля отправиться купаться и забыть о рабочих обязанностях, или сцену возле бара, где богачу удаётся купить женское внимание за дорогущие часы.
Самой яркой и вызывающей целую гамму разных эмоций стала сцена ужина с капитаном примерно в середине фильма. Дальше будут спойлеры. Все гости из-за прихоти богатой дамы сели за стол на полчаса позже положенного. То ли из-за пропавших осьминогов и устриц, то ли из-за сильно качки из всех богатых гостей начинает диким фонтаном извергаться рвота, перетекающая в прямом смысле этого слова в диарею, засоренные санузлы и бесконечной коричневый поток. Очень натуралистично и на протяжении 15 минут фильма.
Журналисты часто критикуют фильмы Эстлунда за прямолинейность. В 2017 году досталось его драме о современном искусстве «Квадрат»: она тоже победила на Каннском фестивале, но получила противоречивые отзывы.
«Треугольник печали» не исключение. Стиль режиссера может показаться поверхностным, персонажи — одномерными, а юмор — слишком очевидным. В «Треугольнике» почти нет двойного дна — если не считать то, что пробивают герои в своем моральном падении. Здесь полно прямолинейных высказываний о капитализме, жадности и социальной несправедливости. Но Эстлунд сознательно напрашивается на обвинения в пошлости. Он знает: чтобы достучаться до современного зрителя, его нужно раздражать. И это у режиссера получается отменно.
«Треугольник» легко ненавидеть. Но фильм как будто бы и не против этого. И даже ненавистникам сложно от него отмахнуться: все же картина Эстлунда врезается в память. Уж слишком хорошо она передает ужас людей, которые вдруг осознали, что даже за очень большие деньги нельзя купить все на свете.
7. Фабельманы
Нью-Джерси, начало 1950-х. Впервые в жизни оказавшись в кинотеатре и увидев на экране крушение поезда, маленький Сэмми Фабельман был так впечатлён, что чуть не сломал дорогую игрушечную железную дорогу, когда пытался воспроизвести аварию. В терапевтических целях мама предлагает мальчику заснять игрушечную катастрофу на 8-миллиметровую камеру. Так детское хобби и съёмки дурашливых домашних сценок перерастают для Сэма в большую любовь и увлечение всей жизни — режиссуру кино.
«Фабельманы» – это автобиографический фильм Стивена Спилберга. Человека, который навсегда изменил индустрию кино и подарил миру просто огромное количество прекрасных лент. Это однозначно самый личный фильм в карьере именитого режиссера. Здесь у зрителя появляется уникальная возможность взглянуть на детство и юность будущей легенды.
Несмотря на попытки рассказать глубоко личную историю, постановщик не забывает о зрителе. Он не требует сострадания к своему детству, и, учитывая богатейший опыт, выдает очень интересное кино, даже немного сказочное. Это полотно пронизано тоской по давно ушедшей прекрасной эпохе, ностальгическими нотками и саморефлексией. Но главное - это просто отличная и откровенная ретро-драма, по праву отмеченная премиями «Золотой глобус» за лучший фильм (драма) и режиссуру.
Очевидно, что «Фабельманы» это история не только о семье и о том, как один мальчик на всю жизнь влюбился в кино. А еще и о готовности посвятить себя любимому делу, рискнуть ради этого и найти свой почерк. Это не очередная блестящая история голливудского успеха, а своего рода психотерапевтический сеанс Стивена Спилберга, стать свидетелем которого – сплошное удовольствие. Лента рассказывает о взрослении, принятии себя и восприятии окружающего мира, юношеских мечтах ставших реальностью или руинами прошлого. В конце концов, о магии кино.
Достойны упоминания и актерские выступления. Особенно следует отметить прекрасные перфомансы Гэбриела ЛаБелля и Мишель Уильямс. Прекрасным выглядит небольшое появление 87-летнего Джадда Хирша в роли одного из родственников Фабельманов, тоже имеющего связи с кино и дающего несколько советов главному герою. Настоящим праздником станет камео Дэвида Линча, которому только за прикуривание сигары нужно выдать какую-нибудь премию.
8. Нет
Через полгода после смерти отца в результате нелепого несчастного случая брат с сестрой, Оджей и Эмеральд, пытаются удержать на плаву семейный бизнес — ранчо с лошадьми для съёмок в кино и рекламе. Дела идут из рук вон плохо, часть животных пришлось продать, и Оджей уже подумывает избавиться и от ранчо, когда вдруг замечает в окрестностях НЛО. Ребята видят в этом возможность заработка и решают заснять его любой ценой.
Джордан Пил («Прочь» и «Мы») снова снял будущую классику!
«Всем американским режиссерам безумно нравится „Нет“» — это твит Райли Стернса, автора «Клона». Обобщение — безусловно, запрещенный прием в арсенале критика. Но в случае с третьим, самым зрелищным полотном Джордана Пила в нем есть смысл. «Нет» откликается в глазах кинематографистов и может остаться непонятным, скучным, а подчас и невыносимым для всех остальных. Дело в том, что новая работа Пила, при всей своей масштабности, поклонах классическим «Челюстям», «Близким контактам третьей степени» и вехам американского жанрового кино, а также камере IMAX (оператор — Хойте Ван Хойтема, соратник Кристофера Нолана), — кино во многом «для своих», очень личное, наверное, даже более герметичное, чем дебютный «Прочь»(действие которого занимало практически одну локацию, а все происходящее с главным героем умещалось в один кошмарный уик-энд).
Обратившись к довольно тривиальной завязке с НЛО, Пил вновь использует всем знакомый образ ради донесения своего нестандартного видения мира. Даже в рамки какого-то конкретного жанра «Нет» загнать не получится. Нашлось здесь место и для хоррора, и для триллера, и для научной фантастики, и для вестерна и социальной драмы. А если углубляться еще сильнее, то окажется, что весь фильм — это чуть ли не ода кинематографу и безумцам, которые его творят.
Как НЛО маскируется в «Нет» под облако, так же и сама лента лишь прячется за обложку «фильма о пришельцах». Повествует Пил вовсе не о страхе встречи с неизвестным или об угрозах технических достижений . Нет, он рассуждает о природе «зрелищности», о том, что из‑за влюбленности в свое дело кинематографист (Или любой творец, что очень отзывается художнику) рискует перейти границы.
Неслучайно НЛО замечает лишь тех, кто на него смотрит. Неслучайно до финала доходят лишь те, кто умеет вовремя остановиться. Впрочем, с этой категорией сам Пил иногда спорит.
«Нет» говорит языком кинематографа, а не диалогами или мыслями. Где-то на пересечении красочных, выверенных кадров (а фильм и правда БЕЗУМНО красивый), выдающейся работы со звуком, продуманного сценарии, достоверной актерской игры и прочих нюансов кинопроизводства зарождается настоящий смысл фильма.
В своем третьем фильме, режиссёр воспевает талант человека и его стремление к творчеству. Но делает это без лишней романтики. Наоборот, «Нет» через образ НЛО наглядно демонстрирует, насколько разрушительным и смертоносным может быть искусство в целом и кинематограф в частности. Искусства в фильме не спасает, а лишь разрушает и убивает. Но его иррациональная магия все равно манит к себе — и будет продолжать это делать до тех пор, пока существует человечество.
Картина стала обладателем премии Сатурн за лучший научно-фантастический фильм🤗
9. Кот в сапогах последнее желание
Промотав восемь жизней из девяти и до смерти испугавшись пришедшего за ним волка-охотника за головами, Кот в сапогах внимает совету врача и заселяется в дом местной кошатницы. Там он смиряется с установленными порядками, отращивает бороду и теряет тягу к подвигам и приключениям, но только до тех пор, пока не узнаёт о волшебной карте, которая указывает путь к где-то упавшей Звезде желаний. Кот в сапогах твёрдо решает отыскать Звезду, чтобы вернуть свои жизни, и в компании притворявшегося кошачьим пёсика отправляется красть карту у известного коллекционера волшебных предметов Джека Хорнера.
В своё время «Человек-паук: Через вселенные» кардинально поменял подход к жанру анимации: студии активно работают над проектами, совмещающими 2D-эффекты и компьютерную графику. Несмотря на то что в 2021 году DreamWorks выпустила созданных в подобной стилистике «Плохих парней», именно второй «Кот в сапогах» стал большим шагом для индустрии. Над продолжением трудилось около 400 специалистов, значительно продвинувших анимационные технологии вперед. Создателям удалось сохранить драйв первого фильма и развить историю главного персонажа, отправив его сражаться с собственными страхами и тревогой.
Спойлер: в этом мультфильме вас ждёт одна из самых достоверных сцен панической атаки.
Новый «Кот в сапогах» — это зрелое, умное и невероятно красивое зрелище, которое похоже на психотерапевтическую сессию под психоделиками. Детей зацепит картинка и яркие героя, а взрослые (и особенно художники) о ценят метафоры и честный разговор о кризисе среднего возраста, семье, эгоцетричности и жадности.
10. Пиноккио Гильермо Дель Торо
Действие происходит в 1930-е годы в Италии. Оживший деревянный мальчик Пиноккио выступает в кукольном театре, пытаясь заработать деньги для своего отца Джузеппе, но вскоре злые люди начинают использовать героя в своих коварных целях.
«Пиноккио Гильермо дель Торо» – душераздирающая сказка про переживание утраты и о том, что добро всегда побеждает даже самое страшное зло. Мексиканский режиссер (Начинавший свою карьеру как художник в киноиндустрии) снял удивительно меланхолический, но при этом очень светлый мультфильм, смысл которого будет понятен каждому, в том числе детям. Это настоящий шедевр анимации, который обязательно стоит увидеть. Абсолютно заслуженный «Оскар» за лучший анимационный фильм года.
Готическая и философская версия дель Торо оказалась очень оригинальной и даже несколько ужасающей историей, перекликающейся с «Лабиринтом Фавна». Мексиканский режиссер давно планировал снять мультфильм про Пиноккио, но проект долгое время пылился на полке. И вот, наконец, анимационный фильм явил себя миру! Техническим соавтором дель Торо был Марк Густафсон, который работал над «Бесподобным мистером Фоксом» Уэса Андерсона. Персонажей в мультфильме озвучивал звездный каст – Юэн МакГрегор, Финн Вулфхард, Кейт Бланшетт, Кристоф Вальц, Тильда Суинтон и другие, поэтому советуем смотреть «Пиноккио» в оригинале с русскими субтитрами, чтобы в полной мере насладиться актерской «игрой».
Взяв за основу классическую итальянскую сказку, которую многие с детства знают наизусть, дель Торо добавил в волшебную историю про деревянного мальчика новые смыслы, наделив ее серьезными и тяжелыми мотивами о проживании горя, которое никогда не заканчивается, и разрушительной войне, отнимающей жизни. Смелая работа мастера мрачных сказок обличает фашистский режим в Италии 1930-х годов и объясняет зрителю простую истину: нужно оставаться человеком в любых обстоятельствах и слушать свое сердце. «Пиноккио» очень точно отражает губительный механизм пропаганды, которая превращает людей в марионеток и в конце концов сжирает всех попавших под ее влияние.
Деревянный мальчик, который выступает в патриотических спектаклях в поддержку диктатора Муссолини, а затем, отправившись в «военный» лагерь для подростков, сначала верит в свое великое предназначение, но, увидев всю безжалостность авторитарного режима, в котором нет ценности чужой жизни, Пиноккио понимает, что главное для него – это счастье отца, а не служение чужим идеалам.
Дель Торо намеренно превращает сказку Коллоди в пугающую историю не только об утрате, но и о бремени бессмертия. В его версии «Пиноккио» все вообще так или иначе связано со смертью, а разнообразные оттенки синего буквально становятся ее олицетворением. Синяя Фея (Тильда Суинтон), больше напоминающая ангела смерти с сотней глаз на крыльях, и ее сестра – царица загробного мира и хранительница вечности – мудрая химера, и ее слуги – скелеты зайцев, переправляющие к ней души почивших, и древние лесные духи, и вечно воскресающий мистический кобальтовый сверчок Джимини (МакГрегор) – все эти герои, населяющие сказку дель Торо, придают ей особое меланхолическое, зловещее и «замогильное» звучание. Но пусть оно никого не пугает, ведь все потусторонние персонажи, внешний вид которых может оттолкнуть, на самом деле оказываются добрыми и вмешиваются в человеческие жизни, чтобы помочь, а вот все зло как раз исходит от людей, одержимых жаждой абсолютной власти и тотального контроля.
«Пиноккио» – красивый и печальный мультфильм с совсем не детскими темами, способный растрогать даже самого черствого взрослого.
Бонус:
11. Судзумэ закрывает двери
17-летняя Судзумэ живёт в тихом городке на острове Кюсю. Однажды она встречает молодого путешественника, который ищет некую дверь. Вместе они находят старую дверь в горах посреди руин, и заворожённая Судзумэ открывает её. Вскоре загадочные двери открываются по всей Японии, впуская в наш мир различные стихийные бедствия. Чувствуя вину за произошедшее, Судзумэ отправляется в путешествие по неизведанному миру, чтобы закрыть все двери.
Судзумэ закрывает двери — это прежде всего история ее взросления. В разных городах страны героиня видит заброшенные парки отдыха и водные источники, где люди когда-то были счастливы. Руины и катастрофы — типичные элементы фильмов Хаяо Миядзаки(вдохновителя Макото Синкая, режиссёра картины) — автор показывает их ради демонстрации эволюции человечества, проходящего раз за разом процесс очищения. В последних фильмах Макото Синкая также случаются чрезвычайные происшествия: в «Твоем имени» на деревню падает метеорит, в «Дитя погоды» Японию затапливает бесконечный дождь. В этих работах разрешить трагедию помогает сила любви, в «Судзумэ» — только честный разговор человека со своими травмами и прошлым.
Благодаря сюжету-путешествию Макото Синкай сталкивает героиню с незнакомцами и наглядно показывает красоту человеческих отношений. Игры с детьми владелицы бара, ночь в традиционном отеле, длинную поездку на машине под винтажную японскую музыку. Вот он — мир живых, против которого у мира мертвых нет никаких шансов.
Формальный сюжет здесь, как и во многих Японских картинах, не так уж и важен. Главное образы! Закрытие дверей, детский стул, красота мира живых — всё это под безупречный саундтрек и на фоне великолепных, Синкаевских облаков. Именно так режиссёр погружает нас в свою атмосферу, заставляя на пару часов очутиться в красочном мире его снов.
Каждая работа Синкая — это визуальный пир для глаз. Если вы художник, то эта картина не должна пройти мимо вас, даже при условии что до проката за приделами Японии фильм ещё не добрался.