Кнут и пряник визуальных акцентов: как с помощью края управлять восприятием зрителя.
Материал подготовила Сефери специально для Digital Painting Classes и Smirnov School.
Сегодня мы поговорим о том, как использовать мягкие и жесткие края объектов (soft/hard edges) в своих художественных работах и от чего должен зависеть наш выбор. Когда вы поймете основные принципы работы с краем, грамотное сочетание мягких и жестких переходов позволит добиться более живописного эффекта и сделает ваши работы визуально интереснее.
Прежде всего давайте определим, какие типы краев бывают. Можно условно разделить их на три категории:
Жесткие края
Если посмотреть на внешний контур объекта на картине Диего Веласкеса, мы увидим, что оба человеческих силуэта довольно четкие. Мы знаем, где кончается один объект и начинается другой. За нас все сделал художник, нам не приходится додумывать недостающие части изображения.
Мягкие края
На работе Николая Ивановича Фешина общий силуэт довольно размытый: например, мы не можем точно определить, где кончается рукав одежды, нам приходится самостоятельно додумывать некоторые детали картины. В качестве противопоставления общей размытой массе одежды контур лица определен достаточно конкретно, там автор использовал жесткий край.
Потерянный край
Если в предыдущем случае автор дает нам достаточно информации для того, чтобы мы самостоятельно додумали некоторые детали, то при потерянном крае силуэт объекта буквально растворяется в окружающей среде, и нам приходится приложить немало усилий, чтобы мысленно закончить этот образ. Эффект потерянного края достигается за счет создания мягкого края и сближения по тону самого объекта и его фона. Обратите внимание, как на картине Джона Сингера Сарджента рука мужчины растворяется в тени, при этом изображение выглядит законченным, несмотря на то, что у нас буквально отсутсвует часть информации о нарисованном объекте.
В качестве еще одного примера можно обратиться к работе Густава Климта. Мы видим, что почти все края мягкие, и большие области одежды девушки теряются на фоне окружения.
От чего зависит то, какие края мы будем использовать в работе? На это влияют несколько факторов:
Свет
Как правило, освещенная часть объекта более контрастная и насыщенная по цвету, чем тень, содержит больше жестких краев. На свету мы видим больше оттенков, колебаний цвета и прочих деталей: так устроено человеческое зрение, нет света — нет деталей. Например, на работе Джона Сингера Сарджента вся информация необходимая нам, зрителям, расположена на свету. Лучше всего прорисована хорошо освещенная белая ткань платья, мы видим многообразие крупных и мелких складок, приковывающее наше внимание. В то же время черные костюмы джентельменов и кофточка танцующей дамы сливаются в единое темное пятно, в котором складок не видно вовсе. Джон Сингер Сарджент работал только с тем, что находится на свету, упрощая при этом тень.
По этому же принципу делаются многие иллюстрации для комиксов. К примеру, Майк Миньола в своей работе использовал плоскую черную заливку для обозначения теней, а цвет и текстуру мы можем наблюдать только в освещенных частях.
Однако и на свету мы можем найти мягкие и потерянные края. Поскольку, как мы уже сказали, освещенная часть обычно выглядит более четкой по сравнению с тенью, иногда бывает просто необходимо убрать часть этого контраста, чтобы не перегружать работу излишней информацией. Посмотрите на работу Джона Сингера Сарджента. Белая ткань платья практически сливается с белым постельным бельем, мы можем наблюдать мягкий переход между ними, хотя обе материи находятся на свету. Едва уловимая разница между разными тканями достигается с помощью добавления теплого и холодного оттенков.
Тень
Как мы уже выяснили, тень в противовес свету обычно содержит меньше деталей, она менее насыщенная, менее контрастная. В целом в тени можно найти больше мягких краев, чем в освещенной части. Нам не обязательно прятать всю информацию в тени, но важно помнить, что тень не должна перетягивать на себя все внимание, если, конечно, вы намеренно не делаете акцент на теневой части вашей работы. Слишком детальная проработка теневых участков может разрушить иллюзию освещения на вашей работе, и тогда будет неясно, что находится на свету, а что — в тени. Все должно быть сближено по тону, не должно быть неуместных жестких краев. Чем больше света — тем больше информации. Поэтому в яркий солнечный день, когда тени подсвечены рассеянным голубым светом от неба, у нас может появляться дополнительная информация в тени. Но нельзя забывать, что разница между светом и тенью должна оставаться ощутимой. В приведенной ниже работе Джона Сингера Сарджента свет и тень довольно сближены по тону, но при этом мы по-прежнему можем определить, какие части освещены солнцем, прямым источником света, а какие освещаются более слабым небесным свечением.
3. Воздушная перспектива
Еще одним фактором, влияющим на выбор жесткости края, является удаленность объекта от зрителя. Известно, что чем дальше объект, тем больше он подвержен влиянию воздушной перспективы, поэтому предметы, расположенные на переднем плане, должны иметь более четкий край, чем те, что расположены на значительном расстоянии от него. Посмотрите на работу Клода Моне — дальний план сильно сближен по тону с небом, за счет чего у нас появляется ощущение мягкого края. Стог сена на переднем плане намного контрастнее и жестче, чем приковывает наше внимание.
4. Материал и текстура
Важное значение имеет материал, из которого изготовлен предмет, который мы хотим изобразить. Для передачи твердых материалов нужно использовать жесткий край. Если мы хотим показать мягкую и воздушную текстуру вроде облаков и шерсти — в дело вступает мягкий край. Андрес Цорн изображает текстуру волос с помощью мягких касаний, в то время как золотое кольцо и даже край бумажной газеты выглядят жестче.
Текстура листьев в работах Клода Моне показана с помощью мягкого края. Так мы понимаем, что эта форма неоднородная и, несмотря на то, что листья не прорисованы по отдельности, мы воспринимаем эту массу как крону дерева именно за счет ее края.
Итак, мы обсудили несколько факторов, влияющих на жесткость края объекта. Но помните, что это должно быть ваше творческое решение, в этом вопросе нет жестких правил. Вы можете нарочно не использовать мягкие края в своей работе, и тогда это станет частью вашего стиля — как у художницы Sarah Sedwick, которая показывает объем только за счет жестких краев.
Процесс работы
Теперь поговорим о том, как все это воплотить на практике.
Некоторые художники начинают с того, что сначала намечают предметы с помощью жесткой кисти, затем постепенно добавляют мягкие края в тех местах, которые, по их мнению, должны быть менее контрастными. А кто-то наоборот, начинает с нагромождения мягких и абстрактных форм, добавляя жесткие края там, где это необходимо. При этом важно помнить, что жесткий край создает композиционный центр, приковывает внимание зрителя, как точка с повышенной контрастностью. Противопоставляя четкий контур объекта окружающей среде, мы управляем взглядом зрителя, приглашая его в первую очередь посмотреть на зону с повышенной детализацией. Мягкий край, наоборот, прячет эту область от зрителя, эта область теряет свою значимость.
Когда мы говорим о цифровой живописи, логично будет предположить, что для создания жесткого края мы используем жесткие кисти, а для создания мягкого края — мягкие. Однако здесь не все так просто. Создавая мягкий край, мы все равно делаем его визуально интересным, так как это такая же часть вашей работы, как и все остальные насыщенные деталями зоны изображения. Даже мягкий край в тени должен содержать хотя бы минимальный объем информации. По возможности избегайте механических мазков стандартной мягкой кистью в фотошопе. Добавляйте колебания холодных и теплых, насыщенных и ненасыщенных цветов. Для создания интересного мягкого края можно использовать мягкую кисть с небольшим количеством текстуры, а также с настройками колебания цвета. Или вы можете изменять цвет вручную, что даст вам больший контроль над цветом, тоном и насыщенностью. Если присмотреться к работам Андерса Цорна можно увидеть разнообразие цвета и текстуры, каждый мазок кистью привносит что-то новое, картинка кажется живой.
Использовать мягкие края нужно с умом. Если у вас будет недостаточно жестких касаний, работа может казаться незаконченной. Важно, чтобы каждый мазок кистью был осознанным и находился на своем месте. Для того, чтобы понимать, когда и где уместен мягкий край, необходимо анализировать работы других художников, делать учебные копии, а также самому применять эти принципы в своих работах.
Чтобы лучше понять процесс живописного использования мягких и жестких краев, можете ознакомиться со следующими видео:
В первом видео художник рисует два портрета и демонстрирует свой процесс. Первый портрет он создает, используя преимущественно жесткие края, второй, наоборот, он делает более мягким. В данном случае жесткие и мягкие края помогают подчеркнуть мужественность и женственность персонажей.
В этом видео Marco Bucci также объясняет свой подход к пониманию жесткого и мягкого края. Вы можете понаблюдать за его процессом рисования и перенять несколько полезных приемов.
В качестве примеров в этой статье мы могли чаще видеть художников прошлого, мастеров традиционной живописи. Если вы думаете, что такой живописный подход был актуален только в прошлых веках, а современные цифровые художники придерживаются совсем других правил и принципов в рисунке, то поверьте, это не так. Давайте посмотрим работы таких художников как Сергей Колесов, Максим Верехин, Anthony Jones. Они используют знакомые нам приемы и техники художников прошлого, и вы можете использовать эти знания для того, чтобы сделать ваши собственные работы интереснее и визуально богаче.
Понравился материал? Поддержите его лайком и репостом,
чтобы мы могли выпускать еще больше! Подписывайтесь на наши сообщества:
Digital Painting Classes — комьюнити для художников, аниматоров и 3D-специалистов; ежедневные подборки для вдохновения, полезные материалы, артбуки, баттлы и конкурсы.
Smirnov School — школа цирового рисунка и концепт-арта: мы готовим художников для работы в игровой индустрии.
Перечень курсов.
Предыдущий материал по теме:
Как изобразить растительный материал. Художник Сяо Фань.